La Sala Municipal de Exposiciones de Las Francesas – Fundación Municipal de Cultura (FMC) abre las puertas de ‘Responsura. Las respuestas de la fe’, nueva muestra temporal que propone un recorrido por las diferentes formas de expresión de las creencias religiosas del ser humano a través de más de un centenar de piezas procedentes de la colección de la antropóloga Christiane E. Kugel. 

En el acto de apertura de la muestra, que podrá visitarse con entrada gratuita hasta el 22 de noviembre, ha participado el gerente de la FMC, José Ignacio de Uribe, y su comisario, el etnógrafo Joaquín Díaz. 

Desde los albores de la humanidad, el ser humano ha buscado explicaciones y a aquello que escaba a su comprensión. Las distintas culturas han construido sistemas de creencias en torno a fuerzas superiores o divinidades, capaces de dar respuestas a preguntas que, en muchos casos, no podían ser explicadas de otro modo. La importancia de estas convicciones se tradujo en diferentes objetos y manifestaciones presentes en el día a día de las personas.

En este sentido, ‘Las respuestas de la fe’ alude a esa necesidad  de afirmar las creencias que ha acompañado al individuo a lo largo de toda la Historia. La muestra reúne una amplia variedad de objetos vinculados a la expresión popular de la fe: moldes y figuras de cera, cuadros, exvotos, libros, piezas de madera y piedra, jarras para el manutergio, benditeras, estelas funerarias, relicarios o altares portátiles son algunos de los objetos que la muestra presenta al visitante.

A través de más de 100 piezas, y organizada en diez secciones -Creencias; Naturaleza y devoción; El culto a los muertos; Aras y altares; El tiempo; Símbolos; Plegarias; La protección del cuerpo; La medicina divina; y Votos y promesas-, la muestra plantea un recorrido por las respuestas que las sociedades han encontrado ante las grandes preguntas de la existencia. 

‘La responsura. Las respuestas de la fe’ puede visitarse, con entrada gratuita, en la Sala de Las Francesas hasta el 22 de noviembre. El horario del centro es de martes a domingo y festivos, de 12:00 a 14:00 y de 18:30 a 21:30h. 

La colección de Christiane E. Kugel

El centenar de objetos que conforman la muestra procede de la colección de la antropóloga Christiane E. Kugel (Bremen, Alemania, 1932 – La Herradura, Granada, 2020), integradas por miles de objetos que reflejan la diversidad expresiones de la fe y sus manifestaciones en la cultura popular. 

Kugel cursó estudios de Literatura, Historia y Ciencias Políticas en las universidades de Münster, Freiburg im Breisgau y Stuttgart. Su formación académica le permitió combinar, durante los 45 años que dedicó al estudio de la cultura española, el rigor de la investigación con una especial sensibilidad hacia las expresiones de la cultura popular.

El interés de Kugel por los objetos relacionados con la religiosidad la llevó a reunir, clasificar y estudiar piezas que, más allá de su valor material, expresan creencias y tradiciones transmitidas de generación en generación. 

La colección que configuró a lo largo de su vida fue donada por la propia antropóloga y sus hijas a la Fundación Joaquín Díaz, que conserva el conjunto.

La Sala de Exposiciones de La Pasión – Fundación  Municipal de Cultura (FMC) acoge por primera vez en Valladolid, una exposición inédita que reúne un centenar de creaciones de más de 50 modistos y firmas para recorrer uno de los periodos de mayor esplendor de la creación española. En su acto de apertura han estado presentes la concejala de Educación y Cultura, Irene Carvajal; su comisario, Pedro Usabiaga, y el representante de Fundación Caja Rural de Zamora, José Esteban Díanez. 

La propuesta pone el foco en la moda como expresión artística y reflejo de los cambios sociales y culturales de cada momento. A través de vestidos, abrigos, conjuntos, complementos y documentación de la época, y con el cine como hilo conductor, el recorrido se acerca a la historia de una sociedad que pasó de la austeridad de la posguerra a una progresiva apertura e internacionalización. 

Una cita con los grandes nombres de la alta costura española,  como Pedro Rodríguez, Asunción Bastida, Elio Berhanyer, Carmen Mir, Manuel Pertegaz, Rango, Santa Eulalia, Emanuel Kowarik, Lino Martínez o Conchita Vilamitjana, junto al considerado maestro de los maestros, Cristóbal Balenciaga. Son parte de los 58 creadores que protagonizan un recorrido que transita desde los austeros años cuarenta hasta la llegada, a mediados de los sesenta, del prêt-à-porter, presente en la muestra a través de Antonio Niego, Miguel Rueda o Moda el Sol, entre otros. 

El recorrido expositivo comienza en los años cuarenta, cuando la costura estaba marcada por la sobriedad y la escasez, pero también por la capacidad creativa de una generación de modistos que comenzaba a construir una identidad propia. Entre las piezas de este periodo que pueden verse en la muestra figuran trabajos de Rosita Zuriaga, Natalio Bernabéu o Santa Eulalia. 

La década de los cincuenta presenta uno de los momentos de mayor desarrollo y esplendor de la alta costura española. Diseñadores como Emanuel Kowarik, Rango, Asunción Bastida, Pedro Rodríguez o Lino Martínez forman parte de una nómina de modistos que impulsaron la creciente proyección internacional de la moda española, mientras publicaciones de referencia mundial como Vogue o Harper’s Bazaar comenzaban a fijarse en las primeras pasarelas celebradas en Madrid o San Sebastián. 

Esta apertura se intensifica en los años sesenta, cuando la moda española incorpora nuevos materiales, colores, formas y lenguajes. La exposición piezas representativas de este periodo, como vestidos de cóctel de Rosario Aranduy y de Vargas y Ochavía, abrigos de Roser, creaciones de Elio Berhanyer y vestidos de noche de Pedro Rodríguez, Marbel o Pertegaz. Es también el momento en el que el prêt-à-porter comienza a transformar las formas de producción y consumo de la moda.

‘La edad dorada de la moda española’ alcanza, también, los años setenta. La creación textil acompaña los profundos cambios de la sociedad en un momento de progresiva liberación. Piezas de Antonio Nieto, Asunción Bastida, Marbel Junior, Elio Berhanyer o Juanjo Rocafort muestran esa evolución y la convivencia entre la tradición de la alta costura y el prêt-à-porter, el modelo de creación y consumo de moda que comenzaba a imponerse. 

Entre los nombres presentes en la exposición destaca de forma especial Cristóbal Balenciaga, considerado el maestro de maestros de la alta costura española. La muestra incluye vestidos y sombreros vinculados a sus casas de costura EISA, accesorio al que Balenciaga concedía una especial importancia.

La exposición presenta, también, una selección de más de veinte tocados y sombreros que permite aproximarse a la importancia que tuvieron estas piezas en la construcción de la imagen de cada época.

El recorrido se completa con documentación procedente de revistas de cada época, una treintena de fotografías y un apartado especial dedicado a la relación entre moda y cine, con referencias a producciones nacionales y extranjeras en las que participaron modistos españoles. Entre ellas destaca Una muchachita de Valladolid, dirigida por Luis César Amadori en 1958 y rodada en la ciudad, cuyo vestuario fue realizado por Pedro Rodríguez. 

‘La edad dorada de la moda española: de la alta costura del prêt-à-porter (1940-1970)’ recupera así un patrimonio fundamental de la creación española y ofrece la oportunidad de acercarse a la moda de este periodo desde diferentes perspectivas: como creación artística, como actividad industrial y como un fenómeno cultural estrechamente ligado a la evolución de la sociedad. 

Información práctica

La exposición puede visitarse, con entrada gratuita, hasta el 10 de enero de 2027 en la Sala Municipal de Exposiciones de La Pasión. El horario del centro es de martes a domingo y festivos, de 12:00 a 14:00 y de 18:30 a 21:30h. 

La Fundación Municipal de Cultura organiza visitas guiadas a la muestra, totalmente gratuitas y sin necesidad de inscripción previa. Hoy, viernes 9 de octubre, y mañana, sábado día 10, será el propio comisario, Pedro Usabiaga, quien guíe el recorrido comentado. Esta visita comenzará a las 19:00h. Usabiaga realizará, además, nuevas convocatorias a lo largo de la muestra, que se anunciarán en la página web www.cultura.valladolid.es y en las rede sociales de la FMC. 

Las visitas ordinarias comenzarán el domingo 11 de octubre y tendrán lugar de miércoles a domingo, a las 20:00h. Se puede reservar cita para grupos a través del correo exposiciones@fmcva.org 

La muestra tiene, además, una publicación asociada, que incluye textos de uno de los periodistas de moda más importantes de España, Pedro Mansilla; del historiador de moda Enrique Lafuente Muñoz, de la responsable de Investigación del Centro Superior de Diseño de Moda de Madrid, María L. Calvo Frutos, y del comisario, Pedro Usabiaga. 

Organizada por el Ayuntamiento de Valladolid a través de la Fundación Municipal de Cultura, la exposición cuenta con la colaboración de Fundación Caja Rural Zamora en la edición de su catálogo.

El Colegio de Arquitectos de Valladolid (COAVA) y el Museo Patio Herreriano-Fundación Municipal de Cultura (FMC), han inaugurado esta mañana, con motivo del Día Mundial de la Arquitectura, la exposición ‘Fernando Higueras. Diálogo entre Arte y Arquitectura’. Se trata de una muestra organizada por el COAVA que acercará a Valladolid la figura y el legado de uno de los arquitectos españoles más singulares de la segunda mitad del siglo XX. 

En ella se aborda la relación de Higueras con el arte en dos direcciones: la influencia que las artes plásticas y los artistas de su entorno tuvieron en su arquitectura y, a su vez, la forma en que su obra arquitectónica inspiró a otros creadores.

La exposición, ubicada en la Sala 0 del museo, reúne decenas de piezas procedentes de los fondos de la Fundación Fernando Higueras, la Fundación Arquitectura COAM y el Museo Patio Herreriano. Entre ellas, dibujos, planos, maquetas, croquis y fotografías de algunos de los espacios que Higueras proyectó para artistas, así como los cuadros ‘Centro de Restauración’, que Antonio López realizó en 1969 durante la construcción del edificio conocido como la Corona de Espinas, y 'La vuelta', de Lucio Muñoz, vinculado a la casa que Higueras proyectó para el artista. La muestra se podrá visitar hasta el 24 de enero.

Fernando Higueras (Madrid, 1930-2008) está considerado una de las figuras más originales de la arquitectura española de la segunda mitad del siglo XX. Su trayectoria desbordó, además, los límites de la arquitectura: la música, la pintura, la escultura y la fotografía formaron parte también de su universo creativo. Esa relación entre disciplinas constituye precisamente el punto de partida de ‘Fernando Higueras. Diálogo entre Arte y Arquitectura’.

La arquitectura en diálogo con los artistas

La influencia del arte en su manera de entender y proyectar la arquitectura se refleja en la exposición en dos vertientes. Por un lado, las maquetas, croquis y fotografías reunidos en la muestra permitirán reconocer esa impronta en algunas de las viviendas y espacios de trabajo que Higueras proyectó para otros creadores. Entre ellos, las Residencias para Artistas en el Monte de El Pardo y las casas diseñadas para los pintores Lucio Muñoz y Amalia Avia, el artista César Manrique o el guitarrista Andrés Segovia. En estos proyectos, Higueras concibió la vivienda como un espacio capaz de estimular la creación, en el que la materia, la luz y el paisaje se entrelazan con la personalidad, la actividad creativa y la forma de vida de quienes iban a habitarlo.

La segunda vertiente descubre esa relación en sentido inverso: cómo la arquitectura de Higueras se convirtió también en motivo de creación artística. La muestra incluirá el cuadro 'Centro de Restauración' (de la colección Navarro Valero y cortesía de la Galería Leandro Navarro), que el pintor Antonio López realizó en 1969 durante la construcción del Centro Nacional de Restauraciones, actual sede del Instituto del Patrimonio Cultural de España. La obra permite reconocer la fuerza plástica de la estructura de hormigón y la expresividad que adquiere el edificio durante su proceso de construcción. La exposición incorpora además ‘La vuelta’, de Lucio Muñoz, una obra que refuerza el diálogo entre la creación del pintor y la vivienda que Higueras diseñó para él.

Conferencias durante octubre

La celebración del Día Mundial de la Arquitectura no se limitará a la exposición. Como en anteriores ediciones, el COAVA organizará un programa de conferencias vinculado a la muestra, que se desarrollará durante el mes de octubre también en el Museo Patio Herreriano.

El ciclo comenzará el 8 de octubre con la conferencia ‘Fernando Higueras’s Lonely Hearts Club Band’ del arquitecto y excomisario del Pabellón de España en la Bienal de Arquitectura de Venecia, Manuel Ocaña; continuará el 15 de octubre con el arquitecto e investigador especializado en arquitectura contemporánea española, Damiano di Mele; y finalizará el 22 de octubre con la arquitecta y responsable de la Fundación Fernando Higueras, Lola Botia.

Placa Docomomo a la Cuchillería Blanco

Además, dentro de la programación organizada por el COAVA con motivo del Día Mundial de la Arquitectura, esta mañana también se ha colocado la placa Docomomo Ibérico en la Cuchillería Blanco de la calle Santiago, elegida este año por los arquitectos vallisoletanos por su especial valor patrimonial.

En la votación de los colegiados se impuso a la Real Sociedad Hípica, actual Complejo Deportivo Juan de Austria, obra del arquitecto Luis Gutiérrez Soto, y al edificio de viviendas situado en Miguel Íscar, 13, de Julio González.

La Cuchillería Blanco fue proyectada en 1934 por Ramón Pérez Lozana y constituye uno de los ejemplos más singulares de arquitectura protorracionalista que se conservan en Valladolid. La composición de la fachada combina mármoles blancos y negros con una cuidada carpintería en la que confluyen referencias a la estética vienesa y geometrías de inspiración expresionista. Una rehabilitación realizada en 2025 por el arquitecto y colegiado del COAVA Óscar Miguel Ares permitió recuperar y poner en valor los elementos originales de la fachada, así como su interior. 

Las placas de la Fundación Docomomo Ibérico reconocen el valor patrimonial de edificios pertenecientes al movimiento moderno y buscan contribuir a su documentación, conservación y difusión. El COAVA comenzó a colocarlas en Valladolid en 2012, cuando distinguió el Colegio Apostólico de los Padres Dominicos de Miguel Fisac. Desde entonces se han incorporado, entre otros, el Mercado Central de Abastos, el Matadero Municipal, el Colegio San Agustín, el Cinema Roxy, la antigua fábrica de TAFISA, la Casa del Barco, la Casa Cuna, el Colegio Juan XXIII y, el pasado año, el Hotel El Montico.

La concejala de Educación y Cultura y primera teniente de alcalde del Ayuntamiento de Valladolid, Irene Carvajal, ha acudido esta mañana a la inauguración de ‘¡Olé! El mito de lo español a través de  Andalucía’, la muestra con la que el Museo Carmen Thyssen Málaga alcanza el cénit de su 15º aniversario inaugural y con la que el Museo Patio Herreriano – FMC colabora con una de las obras que podrán verse en el museo malagueño hasta el 21 de febrero de 2027.

El Patio Herreriano colabora, en concreto, con la obra ‘Lance de Capa’, realizada en yeso por Ángel Ferrant en 1939. Es una de las nueve escenas de ‘La tauromaquia’ que realizó Ferrant ese año y que representaban las suertes del toreo en diferentes momentos de la lidia. La obra forma parte de la Asociación Colección Arte Contemporáneo depositada en el museo vallisoletano.

Además, durante su visita a la capital malagueña, Carvajal ha mantenido varios encuentros orientados a acordar los últimos detalles de la cesión temporal de obra propiedad de la Asociación Arte Contemporáneo, custodiada por el Museo Patio Herreriano, para próximas muestras; así como para explorar vías de colaboración entre la Fundación Municipal de Cultura de Valladolid, el Ayuntamiento de Málaga y el Museo Carmen Thyssen Málaga.

Sobre la muestra

‘Lance de capa’ es una de las 72 obras que integrarán la exposición ‘¡Olé! El mito español a través de Andalucía’. Bajo esa interjección de júbilo, universalmente asociada a España, la exposición aborda una reflexión sobre la construcción artística de una determinada imagen identitaria del país, tomada principalmente de las tradiciones, el folclore y la cultura popular de Andalucía, y convertida a lo largo de los siglos XIX y XX en un conjunto de estereotipos recurrentes.

La muestra se adentra así en las raíces y el desarrollo de un mito estético iniciado en el romanticismo por artistas viajeros extranjeros en Andalucía para interpretar lo que veían como un país exótico y  alejado de lo convencional. Y que, haciendo de lo andaluz sinónimo de lo español, innumerables creadores han reforzado o cuestionado, dando continuidad a o  revelándose contra el “typical spanish” en la extensa cronología que recorre la muestra.

Comisariada desde el área de Conservación del Museo por Bárbara García y Alberto Gil, ‘¡Olé!’ reúne 75 obras de 52 artistas, en su gran mayoría nacionales. Este mosaico heterogéneo compila un repertorio de imágenes en el que comparecen interpretaciones muy diversas y dispares sobre lo español, lo andaluz y sus estereotipos culturales: desde las visiones más paternalistas, amables y realistas hasta las más exóticas e idealizadas, pasando por los prismas más sombríos, irónicos, vanguardistas o kitsch.

Obras de pintura, dibujo, grabado, fotografía y escultura confluyen en la Sala de Exposiciones Temporales, ofreciendo un variado repertorio de mantillas, guitarras, mantones, toreros, bailaoras y todo tipo de clichés costumbristas que, sin embargo, son mucho más de lo que parece a simple vista. No se trata de una mera recopilación de determinadas iconografías de lo andaluz que se han convertido en sinónimo o metonimia de lo español. Esta miscelánea exhorta al visitante a reflexionar acerca de la identidad de España a través de lo andaluz; de la creación del mito en el arte del siglo XIX; de su cuestionamiento en el XX, y de cómo hoy, doscientos años después, perdura en la cotidianeidad y en la imagen externa que se tiene del país y de nuestra cultura.

Muestra un imaginario mucho más amplio -a partir del estereotipo y superándolo- y extendiéndose a lo largo del siglo XX con sus continuas renovaciones y rupturas formales y conceptuales: a través de miradas de España y Andalucía dramáticas y negras, como las de Francisco de Goya, Ignacio Zuloaga, Gutiérrez Solana, Romero de Torres o López Mezquita; rendidas a la admiración por las tradiciones y la belleza, como la de Sorolla; vanguardistas como las que aportan Antonio Saura, Pablo Picasso, Miquel Barceló o Juan Barjola o paródicas, como las propuestas de Gregorio Prieto, Eduardo Arroyo, Equipo Crónica o Pilar Albarracín.

Completan el discurso varios artistas viajeros por España y Andalucía, como Sonia Delaunay, Mary Cassatt, Francis Bacon o Francis Picabia, que aportan notas foráneas a un discurso que aún hoy no parece haberse agotado. 

En parte un homenaje a la identidad andaluza y española, y en parte una reflexión sobre los estereotipos que desde hace dos siglos conforman la imagen de nuestra tierra, ‘¡Olé! El mito de lo español a través de Andalucía’ se adentra en las contradicciones de un tema apasionante, que se despliega por una exposición deliberadamente despojada de secciones, entrecruzando miradas decimonónicas y contemporáneas para evidenciar así los infinitos rostros del mito.

La Sala Municipal de Exposiciones de la Casa Revilla – Fundación Municipal de Cultura (FMC) presenta la exposición ‘Revista Veneno’, una muestra que repasa la trayectoria de la publicación de poesía que, desde su nacimiento en 1983 y hasta su último número en 2019.

La concejala de Educación y Cultura, Irene Carvajal, ha inaugurado esta mañana la muestra acompañada por su comisario Luis Marigómez, y por el coordinador del programa Valladolid Letraherido, Pedro Ojeda.

Durante sus 36 años de trayectoria, Veneno se convirtió en un espacio de encuentro para la poesía, el diseño, la pintura y la creación visual y experimental referente para generaciones. La muestra permite acercarse a la historia de una publicación que, pese a sus reducidos medios y su carácter gratuito,  alcanzó los 192 números y seis ediciones especiales. El recorrido incluye una amplia selección de números, ordenados por temas, junto con otras publicaciones relacionadas con Veneno, como libros y otras revistas, que ayudan a contextualizar la fundación y la evolución de Veneno y muestran la profunda huella que esta publicación tuvo en el mundo editorial. 

La exposición dedica, además, un capítulo al pintor y cofundador de la revista, Francisco Aliseda, como pilar del proyecto durante toda su trayectoria.

Veneno comenzó su andadura en agosto de 1983 en Palencia, cuando los poetas Edigio Huerga y Secundino Naves y el pintor Francisco Aliseda pusieron en marcha una revista de poesía y diseño
destinada a ser distribuida gratuitamente y concebida sin ánimo de lucro.  Su primer número,  deliberadamente modesto, fue un folio impreso por las dos caras y doblado del que solo se distribuyeron 200 ejemplares.

Lo que inicialmente podría haber sido una iniciativa efímera se prolongó durante más de tres décadas. Tras trasladarse a Valladolid en 1984, la revista mantuvo una estrecha relación con la ciudad, y continuó posteriormente su actividad desde diferentes lugares.

Uno de sus rasgos más singulares desde sus primeros años fue la incorporación de pequeños objetos y materiales cotidianos en los ejemplares: imperdibles, botones, tickets, piedras pintadas, billetes de lotería no premiados, cromos o viñetas de cómic fueron algunos de los elementos que contribuyeron a convertir cada número en una publicación única. 

Desde sus primeros números, la revista contó, además, con la colaboración de poetas, pintores y diseñadores; la mayoría, en un único número. Entre ellos destaca Francisco Aliseda, cofundador y figura fundamental en la trayectoria de la publicación. Su participación, constante a lo largo de toda la trayectoria de la revista –en muchas ocasiones, detrás de diferentes pseudónimos-, terminó convirtiendo sus diseños en una de las señas de identidad de la publicación. 

Aunque la poesía visual o experimental aparece desde el primer momento, este género alcanzará una presencia destacada en la penúltima etapa de la revista, la sexta, con la participación de autores de Brasil, Méjico, Japón o Portugal, además de numerosos creadores españoles. 

En sus páginas publicaron destacados autores españoles, como Antonio Gómez, Fernando Millán, Julián Alonso, Bartolomé Ferrando, Antonio Orihuela, Juan Crego, José Blanco, J. Ricart, J.M. Calleja o Rafael Marín, entre otros. 

La revista Veneno se convirtió así en un espacio de encuentro para artistas de diferentes ámbitos y un medio referente en la difusión de diferentes formas de entender la poesía y la creación contemporánea.

La exposición ‘Revista Veneno’ puede visitarse en la SME Casa Revilla, con entrada gratuita, hasta el 22 de noviembre. El horario de la sala es de martes a domingo de 12:00 a 14:00 y de 18:30 a 21:30h. 

De forma paralela a la muestra, la Casa Revilla acogerá un ciclo de mesas redondas que permitirá revisar diferentes momentos y aspectos de la historia de la revista.

• Miércoles, 30 de septiembre  - ‘Las siete vidas de Veneno’, con Luis Marigómez y Jorge Praga. Este acto incluirá la presentación del libro Veneno (1983-2019), a cargo de José Luis Puerto.

• Miércoles, 7 de octubre – ‘Nacimiento y primeros tiempos’, con Julián Alonso, Francisco Sanz y Luis Santana.

• Miércoles, 14 de octubre – ‘Pintores en Veneno’, con  Manuel Sierra, Teresa Cortés y Marco
  Temprano.

• Miércoles, 4 de noviembre – ‘Poesía visual en Veneno’, con Antonio Gómez, Julián Alonso, Rafael Marín y Juan Crego.

• Miércoles, 11 de noviembre – ‘Poetas en Veneno’, con Olvido García Valdés, Miguel Casado, Esperanza Ortega y Tomás Sánchez Santiago.

Las mesas redondas, de entrada gratuita, tendrán lugar en la Sala Cossío de la Casa Revilla, con comienzo a las 19:30h.
 

La casa-museo de Colón – Fundación Municipal de Cultura (FMC) se suma a la programación especial del Día de la Hispanidad con la exposición ‘Retratos de mi sangre’, una selección de obras del fotógrafo peruano David Díaz Gonsález que propone un acercamiento a la identidad, las tradiciones y la vida cotidiana de la comunidad shipibo-konibo de la Amazonia peruana.

La concejala de Educación y Cultura, Irene Carvajal, y el agregado cultural de la Embajada de Perú en España, Alonso Ruiz, han inaugurado esta mañana la muestra en un acto que ha puesto en valor la colaboración entre Valladolid y las instituciones peruanas y el papel de la casa de Colón como un espacio de encuentro entre las culturas hispanas.

La muestra, que puede visitarse hasta el 29 de noviembre con entrada gratuita en la casa-museo de Colón, forma parte de la programación ‘Hermanados por la Historia’, impulsada por la propia FMC con motivo del Día de la Hispanidad. 

Una mirada íntima a la comunidad shipibo

‘Retratos de mi sangre’ abre una ventana a la vida cotidiana de la comunidad shipiba, de la que procede el fotógrafo. A través de 23 fotografías en blanco y negro, la propuesta expositiva ofrece una mirada íntima a la vida cotidiana de una comunidad ancestral.

Las imágenes muestran, entre otras escenas, a hilanderas trabajando con tintes naturales y arcilla sobre tela tocuyo, niños jugando en las lagunas que forman las crecidas del río Ucayali, curanderos que continúan ejerciendo su ancestral labor o mujeres que se pintan el tradicional kené en el rostro con tintes vegetales. 

Vestimentas y ornamentos tradicionales, viviendas y construcciones, oficios y costumbres forman parte de este relato visual que pone el foco en las prácticas que, día a día, continúan configurando la vida de esta comunidad. 

La mayoría de las imágenes son retratos de personas con las que el autor mantiene vínculos de amistad o familiares. Esta relación dota a las fotografías de una particular cercanía y permite construir un relato marcado por la intimidad: es la mirada de quien forma parte de esa comunidad y de la realidad que inmortaliza. 

El trabajo de David Díaz Gonsález es testimonio de la cultura shipibo en un momento de transición, un documento que contribuye a preservar la memoria de un pueblo y deja constancia de formas de vida y tradiciones transmitidas entre generaciones. 

‘Retratos de mi sangre’, organizada por el Centro Cultural Inca Garcilaso del Ministerio de Relaciones Exteriores de Perú con el apoyo de la Embajada de Perú en España, llega a Valladolid de la mano de la Fundación Municipal de Cultura.

La exposición puede visitarse, con entrada gratuita, hasta el 29 de noviembre en la casa-museo de Colón. El horario del centro es de martes a domingo de 10:00 a 14:00 y de 18:00 a 20:00h.

Sobre el autor 

La trayectoria del joven fotógrafo David Díaz González, nacido en 1992 en la comunidad nativa Nuevo Saposoa, en Ucayali (1992), ha recibido diferentes reconocimientos. En 2021 obtuvo una beca de la Amazon Rainforest Journalism Foundation del Centro Pulitzer. Un año después, ganó el primer premio del Concurso Maravillarte con una de las obras que forman parte de la muestra y, en 2023, fue reconocido con el premio Luces a la Mejor Exposición  de fotografía. 

Su obra ha sido expuesta en diferentes países de América Latina y Europa como Perú, Guatemala, Chile, Francia, Alemania, Suiza o Hungría. 

Visitas teatralizadas a la casa-museo de Colón

La inauguración de la muestra ‘Retratos de mi sangre’ coincide con el inicio de las visitas dramatizadas a la casa de Colón, una actividad que el programa del Día de la Hispanidad recupera tras la buena acogida de anteriores ediciones. 

En esta ocasión, bajo el título ‘Ponce & cía. Los exploradores españoles de Norteamérica’, el recorrido por la casa-museo estará guiado por Juan Ponce de León, el explorador nacido en la provincia de Valladolid que acompañó a Cristóbal Colón en su segunda expedición hacia el Nuevo Mundo y llegó a La Florida; gestas que compartirá con los asistentes. 

El primer grupo escolar que ha participado en la propuesta ha estado formado por 25 alumnos de sexto curso de Educación Primaria del Colegio Las Huelgas.. Carvajal se ha unido a ellos para conocer de primera mano el recorrido y poder intercambiar impresiones con niños y docentes sobre esta actividad educativa que invita a descubrir un episodio histórico profundamente relacionado con Valladolid. 

Las visitas se extenderán hasta el 11 de octubre. Habrá pases para escolares de martes a viernes, de 10:00 a 12:00h, y para público general: viernes 2 y 9 de octubre, a las 18:00h, sábado 3 a las 12:00 y 18:00h, sábado 10 a las 12:30 y 18:00h y los domingos 4 y 11 a las 10:00, 12:00 y 18:00h. 

Para participar es necesario realizar una inscripción gratuita en la Casa-museo (por teléfono o de forma presencial). Se ha establecido un máximo de dos grupos por centro escolar y de 4 personas por reserva para el público general. 
 

El Museo Patio Herreriano - Fundación Municipal de Cultura inaugura 'Ora Pro Nobis', la primera exposición institucional en España del artista brasileño Paulo Nazareth. 

Comisariada por el crítico Juan José Santos Mateo, la muestra presenta una instalación inédita concebida para la Capilla y una propuesta específica para la Sala 9. Las dos plantean un diálogo entre lo político y lo espiritual, la historia y la memoria, la naturaleza y la botánica.

• La exposición puede visitarse, con entrada gratuita, hasta el 14 de febrero de 2027 en el horario del centro: de martes a viernes de 11:00 a 14:00 y de 17:00 a 20:00h, sábados de 11:00 a 20:00h y domingos de 11:00 a 15:00h. 

Paulo Nazareth (Minas Gerais, 1977) es considerado uno de los artistas brasileños más relevantes del panorama internacional. A lo largo de su trayectoria, su trabajo se ha expuesto en destacados espacios e instituciones museísticas, figurando en muestras de gran relevancia como la realizada en el Museo Tamayo de la Ciudad de México, su participación en la Bienal de Venecia y la presencia de su obra en el Instituto Inhotim, ubicado en su región natal. Actualmente, se puede ver su trabajo en la exposición Álgebra en la Punta della Dogana de Venecia, que corre en paralelo a la Bienal de Venecia.

Todas las obras que forman parte de la exposición 'Ora Pro Nobis' tienen un cordón umbilical que las une a la madre: la lengua materna, la ausencia e invocación de la madre, el amor de madre o la madre naturaleza. 

El linaje femenino del artista está presente desde su propio apellido, que adopta del nombre de su abuela desaparecida, hasta en las fotografías que le hace a su madre. Ambas apariciones son un desafío a sus ausencias. Su abuela, Nazareth Cassiano de Jesus, trabajaba como criada para una familia de latifundistas con granjas en tierras habitadas por la etnia indígena Borum. Se quedó embarazada, y tras dar a luz, fue despojada de su bebé por la familia para la que trabajaba e ingresada en un hospital psiquiátrico en Barbacena, Minas Gerais, donde su rastro se perdió y no volvió a saberse nada más de ella. De su bebé sí: creció y sustituyó a su madre en las labores domésticas, en condiciones laborales de explotación. Es Ana Gonçalves da Silva, la madre de Paulo.

A Paulo no sólo le motiva la reivindicación y homenaje a su madre y abuela: su búsqueda de las huellas borradas de sus pasados es más profunda. La serie fotográfica 'Bocotudos Heritage' inmortaliza a su madre en el Museo del Hombre de París posando con retratos exotizantes de personas de la etnia Borum Krenak, grupo indígena perseguido, confinado y masacrado por los colonizadores portugueses de la que ella es descendiente. Un intento por reconectar con una memoria y un legado arrancados. 

En esta exposición hay una invitación a invocar y compartir el recuerdo de las progenitoras. En MAMA, el Museo de la Madre, los visitantes dibujan el rostro de sus madres haciéndolas reaparecer sobre el papel, convirtiendo el espacio en parte monumento, parte archivo, y parte tributo colectivo a todas las madres.

'Ora pro nobis' es la oración que implora por la protección de la Virgen María, y es también como se denomina en Brasil a una especie de cactus, Pereskia Aculeata, llamado así por su origen, ligado a la ingesta de esta planta que brotaba cerca de las iglesias de Minas Gerais, región en la que convivía la evangelización con el trabajo en las minas de esclavos africanos.

En la instalación de la Capilla de los Condes de Fuensaldaña, Paulo Nazareth hace convivir la Ora pro nobis con otras dos plantas: la Tillandsia usneoides, denominada barbe espagnol por los franceses porque les recordaba a las barbas de los colonizadores españoles, y la Euphorbia milii, llamada Corona de Cristo y Corona de Nuestra Señora por sus espinas. La etimología y sus adaptaciones sociales le sirven al artista para componer este sitio específico en el que se entrelazan historias de explotación, aculturación, adaptación y ofrenda.

Se exhibe también en esta muestra un conjunto de bordados que hace alusión al origen y uso de la lengua materna en Latinoamérica, en relación con lo doméstico. La frase “amor de madre” es tejida sobre paños de cocina de la madre del artista, traducida en latín, vasco y suajili, como parte de un proyecto mayor que quiere abarcar su traducción en todas las lenguas vivas y muertas. Otros bordados hacen referencia a la aplicación popular en algunos países latinoamericanos de la palabra madre en sentido negativo (tu madre, madreado), y otros, a ese origen colonial de una lengua que fue, primero, paterna, y actualmente, materna: “Las lenguas latinas que llegaron a América son una lengua paterna”, afirma Paulo, quien defiende esa idea sobre la base de que los primeros colonizadores fueron en su mayoría hombres, y los hijos mestizos de la colonización, de madres indígenas, aprendieron las lenguas latinas enseñados por los religiosos de órdenes católicas: los padres.

La religión católica es la protagonista de los cuatro videos. La historia de imposición y aceptación latente en el audiovisual que registra a la madre del artista rezando un Ave María traducido al 
portugués, la persecución de dos camiones con la figura de la Virgen María pintada en sus puertas, o el ascenso y posterior desaparición del propio Paulo Nazareth al escalar un árbol, el iroko, originario de África, cuyas enormes raíces abrazan una iglesia. Madre, la religión, el colonialismo, los ancestros, sus ausencias y reapariciones son las palabras clave para interpretar estas creaciones.

Juan José Santos Mateo
Comisario de la exposición

El Museo de la Ciencia de Valladolid – Fundación Municipal de Cultura se suma el viernes 25 de septiembre, a la Noche Europea de los Investigadores (European Researchers’ Night). Una iniciativa cuyo objetivo es acercar la Ciencia y el trabajo de los investigadores al público general.

En esta línea, el Museo de la Ciencia organizará durante la jornada diferentes actividades de carácter gratuito, de acuerdo a la siguiente programación:

Actividades con plazas limitadas (necesaria recogida de ticket)

Los interesados en participar en estas actividades podrán recoger las entradas en el Museo a partir de las 15 h del jueves 24 de septiembre (por orden de llegada y hasta agotar existencias). Cada adulto podrá elegir 2 de estas propuestas y solicitar un máximo de 4 tickets para cada una de ellas.

• Yincana ‘El secreto de las profundidades’. Organizada por el proyecto europeo ‘The Bioval Proyect (Horizonte Europa)’, en ella los participantes se convertirán en exploradores para descubrir el mundo de las microalgas. Pases: a las 17, 17:45 y 18:30 h. Edad recomendada: de 5 a 12 años.

• Taller ‘Eclipsados por la Química’. Experimentos realizados en directo por profesores de la Universidad de Valladolid (UVa) y miembros de la Real Sociedad Española de Química. Pases: a las 17:15 y 18:15 h. Edad recomendada: desde 6 años.

• Visita guiada ‘Voyager. Venimos de las estrellas, volvemos a ellas’. Una propuesta que descubre, de la mano de sus creadores, la maqueta a tamaño real de la sonda Voyager instalada en el vestíbulo del Museo. Una réplica, realizada por el Aula de Astronomía de Armilla (Granada), que acercará al público a la historia y viaje de esta fascinante sonda. Pases: a las 17:30 y 18:15 h. Edad recomendada: desde 6 años.

• Visita guiada ‘Malditas matemáticas… ¿o no?’. Gracias a los integrantes de la Asociación Castellano y Leonesa de Educación Matemática (SOCYLEM), los asistentes  a esta actividad conocerán, de una forma divertida, la sala del Museo dedicada a las Matemáticas. Pases: a las 17 y 18:15 h. Edad recomendada: desde 8 años.

Actividades de acceso libre hasta completar aforo

Estas actividades no necesitan previa recogida de ticket. El acceso es libre, hasta completar el aforo.

• Experimentos de Física con Physics League. La Asociación Physics League montará una auténtica feria científica en la que los asistentes podrán participar en variados experimentos de física. Horario continuo, de 17 a 19:15 h. Edad recomendada: desde 7 años.

• Proyección del ‘Timelapse del eclipse total de Sol’. Todos los interesados podrán disfrutar de la proyección del documental realizado por el Museo sobre el acontecimiento astronómico del año 2026 visto desde diferentes puntos de Valladolid. Horario continuo, de 17 a 19:15 h. Edad recomendada: todos los públicos.

• Exposición ‘STROM. Astronomía inclusiva’. Visita libre a esta muestra que incluye experiencias táctiles, sonoras y audiovisuales sobre el Universo. Horario continuo, de 17 a 19:15 h. Edad recomendada: todos los públicos.

• Exposición ‘El electrodoméstico más antiguo del Sistema Solar’. Visita libre a esta muestra que reúne cerca de 200 planchas para recorrer la historia de estos curiosos objetos domésticos a través de la historia, la ciencia, la tecnología y la moda. Horario continuo, de 17 a 19:15 h. Edad recomendada: todos los públicos.

Además, el Auditorio del Museo acogerá a las 20 h, el espectáculo ‘CLOWNTIFICS.  La Ciencia más payasa’, una propuesta de Big Van Ciencia recomendada a público a partir de 5 años. 

Orilo y Arlequina, dos científicos que trabajan en el LABORATODELMUNDORIO, tienen un gran reto: preparar el set de experimentos científicos más grande del mundo mundial y universal. Pero no pueden hacerlo solos, ¿les ayudarán los asistentes a prepararlo? 

Los interesados en asistir a este espectáculo podrán recoger las entradas en el Museo a partir de las 15 h del jueves 24 de septiembre (por orden de llegada y hasta agotar entradas disponibles). En este caso, se podrá retirar un máximo de 2 entradas por adulto.

Importante. Los menores deben asistir a todas las actividades acompañados al menos de un adulto.

La asociación Vallkirias del Pisuerga presenta en el claustro de San Benito la exposición fotográfica ‘Paleando por la vida’, un proyecto que comparte la historia del colectivo y el significado que el deporte tiene para sus miembros tras superar un cáncer de mama. La inauguración de la muestra ha tenido lugar esta mañana en un acto que ha contado con la intervención de la concejala de Educación y Cultura, Irene Carvajal, y la presidenta de la asociación, Nachi García; y con la presencia de varias integrantes de la misma. 

A través de una veintena de imágenes, la muestra invita al público a mirar más allá de la enfermedad y a enfocar la atención en el proceso posterior: la reactivación física, la recuperación de fuerzas, el disfrute del deporte en equipo –en especial, el dragon boat, modalidad del piragüismo que toma su nombre de la forma del barco y que practican ‘las Vallkirias’- y el avance compartido.

Además de mostrar la vivencia diaria de los entrenamientos, viajes y competiciones, “Paleando por la vida” rinde un caluroso homenaje a todas las mujeres que forman y han formado parte del colectivo, tanto a las que continúan remando activamente como a las que ya no pueden hacerlo por diversas circunstancias. 

Para Vallkirias Pisuerga, el dragon boat o barco dragón representa un reflejo directo de su propia historia. “En él viajamos mujeres diferentes, con distintas edades, experiencias y circunstancias. Cada una tiene su propia fuerza y su propio ritmo, pero el barco solo avanza cuando todas remamos en la misma dirección y conseguimos sincronizar nuestras paladas”, señala la asociación. “Cuanto más unidas estamos, más lejos podemos llegar”, concluye.

La exposición puede visitarse, con entrada gratuita, hasta el 2 de octubre, de lunes a viernes en horario de 08:30 a 14:30h. 

El desarrollo de esta exposición ha sido posible gracias a la colaboración de la Fundación Municipal de Cultura del Ayuntamiento de Valladolid, que ha facilitado el espacio expositivo y colaborado con su montaje. Las imágenes expuestas son obra de la empresa vallisoletana DeReojo Producciones y los fotógrafos Javier Carbajal y Virginia Cuevas. 

Sobre Vallkirias Pisuerga                                            

Vallkirias Pisuerga es una asociación formada por mujeres que padecen o han padecido cáncer de mama que promueven la práctica de la disciplina náutica dragon boat como herramienta de recuperación física y de bienestar emocional. 

El equipo vallisoletano también participa en competiciones de esta modalidad de piragüismo. El pasado mes de agosto, Vallkirias Pisuerga se alzó como campeón de la Liga Iberdrola de barco dragón, éxito que suma al título de la Liga Solidaria ACP/BCP, entre otros. 

La concejala de Educación y Cultura del Ayuntamiento de Valladolid, Irene Carvajal Crusat, ha inaugurado hoy en el Museo de la Ciencia de Valladolid – Fundación Municipal de Cultura la exposición ‘El electrodoméstico más antiguo del Sistema Solar’. Una original propuesta de producción propia, diseñada y realizada por Luis Fernández Sanjuan, que reúne cerca de 200 planchas  para descubrir la historia y evolución de uno de los objetos más cotidianos de los hogares.

El acto de inauguración ha contado también con la presencia del gerente de la Fundación Municipal de Cultura, José Ignacio de Uribe; y del propietario de la colección, Carlos Uzquiano. La presentación se ha completado con la actuación en directo de la pianista Olaya Hernando y la bailarina Lola Eiffel. 

Mucho antes de la aparición de las planchas eléctricas, las distintas civilizaciones ya desarrollaron sistemas para alisar, cuidar y conservar sus tejidos. 

En el Antiguo Egipto, Grecia y Roma se empleaban piezas de madera y barras de hierro o bronce; mientras que en la Edad Media, surgieron nuevos ingenios desti-nados a contener piedras calientes o carbón, precursores de las primeras planchas de carbón. 

Durante los siglos XVIII y XIX aparecieron modelos que utilizaban agua, alcohol o gas como fuente de calor. A finales del siglo XIX y comienzos del XX, llegaron las primeras planchas eléctricas y de vapor, que evolucionaron progresivamente hasta convertirse en las sofisticadas máquinas que conocemos en la actualidad.

En este contexto, la exposición descubre la historia de estos aparatos y muestra cómo su transformación ha estado estrechamente ligada a los avances de la ciencia y la tecnología, así como a la evolución de la vestimenta y la moda.

De un incendio a una colección única

La visita comienza con  2 planchas que Carlos Uzquiano rescató cuando tenía 15 años, tras el incendio que sufrió el caserío de su familia en el País Vasco. Estos dos objetos, de gran valor sentimental,  marcaron el inicio de una colección que, con el paso de los años, ha reunido piezas extraordinarias.

Entre ellas destaca una plancha para seda procedente de China, datada entre 1400 y 1500, considerada la pieza más antigua de la exposición; así como una plancha de fundición, originaria de Egipto, que con un peso de 17 kilogramos es la pieza más pesada del recorrido.

La muestra incluye también objetos únicos y personalizados, como una plancha de carbón procedente de un monasterio de Italia; y otra de hierro, con base de latón, que conserva grabado el nombre de su propietaria Salomon, una mujer de posición acomodada de origen judío.

Asimismo, el visitante descubrirá otros objetos singulares como un alisador de pie-dra de origen europeo, que funcionaba por frotamiento; una estufa de lavandería procedente de Francia, diseñada para calentar 4 planchas de una forma simultá-nea; o una colección de planchas zoomorfas pertenecientes a familias de clase alta españolas de alrededor de 1900, que permiten acercarse también a la tradición de estos objetos en nuestro país.

Planchas, tejidos y moda

La exposición se completa con paneles informativos, con contenidos elaborados por  Ana Velasco Molpeceres y Mariano Esteban Piñeiro, que profundizan en cuestiones como la ingeniería de los tejidos, la ciencia y la técnica del planchado o la evolución de la moda.

Además,  más de una decena de maniquíes vestidos con prendas representativas de diferentes épocas y estratos sociales, pertenecientes a la asociación ‘Vestir a la española’, ayudarán a contextualizar las piezas y comprender la relación entre la indumentaria y las técnicas empleadas para su cuidado.

Por último, el recorrido incorpora decorados e ilustraciones, realizados con la colaboración de alumnos y alumnas del IES Vega del Prado y la Escuela de  Arte de Valladolid, que recrean diferentes contextos históricos; y un espacio final destinado a la realización de talleres donde el visitante podrá acercarse de una manera prácti-ca y participativa a algunos de los contenidos de la muestra.

Esta propuesta estará disponible en la Sala L/90 del Museo del 15 de septiembre de 2026 al 16 de mayo de 2027, y se podrá acceder a ella con la adquisición de la entrada combinada del Museo. El acceso para las personas inscritas como ‘Amigos del Museo’ será gratuito.

Próximamente se organizarán visitas guiadas para todos los públicos que serán anunciadas en la web del Museo (www.museocienciavalladolid) y en las redes sociales de la institución. 

El Museo de la Ciencia de Valladolid - Fundación Municipal de Cultura clausura la próxima semana -el domingo 30 de agosto- la muestra ‘Astronautas’; una exposición que, producida por Rocaviva Eventos y comisariada por Sonnia Rivas - Caballero, Belén Yuste y Javier Gregori, reúne más de 200 objetos para abordar la exploración del espacio de forma amena y rigurosa.

A través de diferentes ámbitos, ‘Astronautas’ descubre a los visitantes cómo se desarrolla la vida y el trabajo en el espacio; aborda la llegada del hombre a la Luna, hito en el que España colaboró desde la estación de la NASA situada en Fresnedillas de Oliva (Madrid); y recuerda a algunos científicos españoles vinculados a la aventura espacial como Emilio Herrera, autor de la  escafandra estratosférica diseñada en 1935, considerada la base de los trajes espaciales actuales, y  cuya réplica ha sido cedida por el Museo Nacional de Ciencia y Tecnología (MUNCYT) para su exhibición en esta muestra.

El recorrido incluye también el espacio ‘Cajal y la Nasa’ que explica la misión Neurolab, un proyecto lanzado por la NASA en 1998  destinado a estudiar los efectos de la ingravidez en el sistema nervioso; y la sección ‘Mujeres astronautas’, que enumera algunas figuras femeninas que han hecho  historia en el espacio como Valentina Tereskova, primera mujer astronauta de la historia.

La exposición se completa con piezas prestadas por diferentes instituciones como algunas preparaciones histológicas de Santiago Ramón Cajal y ejemplares naturalizados de animales que se guían por las estrellas y la Luna (Museo Nacional de Ciencias Naturales MNCN - CSIC), una maqueta original del MARS Pathfinder (Centro de Astrobiología - Instituto Nacional de Tecnología Aeroespacial  INTA- CSIC) y otra de la Estación Espacial Internacional (AIRBUS); noticias y documentos de la llegada del hombre a la Luna (Museo Lunar de Fresnedillas de la Oliva) y numeroso material filatélico y numismático nacional e internacional (Rocaviva).

También se incluyen fotografías de España tomadas desde el espacio por Miguel López Alegría,  dos óleos de Ramón Trigo y un espacio artístico para la exhibición de dos obras de Marcos Tamargo con su técnica MoveArt, la cual permite que un mismo lienzo muestre dos imágenes diferentes según la luz.  

Por último, y con el objetivo de llegar a todos los públicos, la muestra incorpora una estación táctil con reproducciones en 3D, creada por el Laboratorio de Morfología Virtual del MNCN - CSIC, dirigida a público invidente o con algún tipo de  discapacidad visual.

En definitiva, una completa propuesta, con información en español e inglés,  cuyo objetivo es poner de manifiesto la importancia de la exploración espacial para el desarrollo de la humanidad e inspirar a los jóvenes a cursar estudios relacionados con este ámbito.

La exposición estará disponible en la Sala L/90º del Museo y puede accederse a ella con la adquisición de la entrada combinada del Museo. El acceso para las personas inscritas como ‘Amigos del Museo’ será gratuito.

El Museo de la Ciencia de Valladolid - Fundación Municipal de Cultura se adelanta al eclipse total de Sol con un completo programa de actividades que, bajo el título 'Esperando al eclipse', se desarrollará durante los días previos al fenómeno.

El 12 de agosto, y por primera vez en más de un siglo, diferentes puntos de la península  ibérica serán testigos de un eclipse solar total, uno de los fenómenos astronómicos más espectaculares que pueden observarse desde la Tierra.  Durante unos instantes, la Luna ocultará por completo al Sol y transformará el día en noche, ofreciendo una experiencia única para miles de observadores.

Aunque este evento no será visible desde las instalaciones del Museo de la Ciencia, la institución quiere acercar a la ciudadanía los conocimientos necesarios para comprender y disfrutar del eclipse en las mejores condiciones.  

Nuevo programa en el Planetario

El Planetario del centro proyectará el programa  ‘3CLIPSE’, una producción que acerca al público la histórica secuencia de eclipses solares que podrá observarse desde la península ibérica en 2026, 2027 y 2028.

Impulsado por el Museo Elder de la Ciencia y la Tecnología de Las Palmas de Gran Canaria, dirigido por el astrofísico Fernando Jáuregui y con la participación del Museo de la Ciencia, ‘3CLIPSE’ invita al espectador a descubrir cómo se producen los eclipses, qué significaron para distintas culturas a lo largo de la historia y por qué siguen despertando fascinación en pleno siglo XXI.

La producción combina divulgación científica, narrativa visual y emoción para ofrecer una experiencia inmersiva pensada para todos los públicos. A través de la historia de una niña y su abuela, el programa acompañará al espectador en un viaje por la relación entre el ser humano y uno de los fenómenos más espectaculares del cielo.

‘3CLIPSE’ forma parte de un proyecto de divulgación científica en el que participan instituciones de España y Portugal y ha contado con la colaboración de la Fundación Española para la Ciencia y la Tecnología (FECYT) – Ministerio de Ciencia, Innovación y Universidades.

Este programa se proyecta de martes a viernes, a las 11:45h, y sábados y domingos, a  las 11:30h.

Como complemento a esta proyección, el Museo ha elaborado un manual de buenas prácticas que podrá descargarse desde su página web (www.museocienciavalladolid.es). Un documento, realizado con el asesoramiento del Instituto Geográfico Nacional (IGN), que incluye recomendaciones para una observación segura del eclipse y una selección de los mejores puntos de observación en Valladolid.

Planetario de guardia: 24 horas de Astronomía ininterrumpida

La programación especial alcanzará uno de sus momentos más destacados con el ‘Planetario de guardia’.  Una iniciativa que el Museo de la Ciencia organizará durante la jornada previa al eclipse y que permitirá disfrutar de sesiones continuadas de Planetario durante 24 horas, desde las 10:30h del martes 11 de agosto a las 09:30h del miércoles 12 de agosto.

Además, el 11 de agosto, todos los interesados podrán visitar el Museo completo, entre las 10:00h y las 18:00h, por una tarifa especial de 2 euros. Esta entrada permitirá acceder a las 4 plantas de exposición permanente, Casa del Río, las muestras temporales ‘STROM’ y ‘Astronautas’, y a una de las sesiones de la actividad ‘Planetario de guardia’, hasta completar aforo.

A partir de las 18:30h, se mantendrá esta tarifa especial que dará acceso a las dos exposiciones temporales – abiertas excepcionalmente hasta las 3 de la madrugada- y a las sesiones programadas en el Planetario.

Videomapping, música y gastronomía para una noche única

La noche del 11 de agosto incluirá también una propuesta cultural y festiva abierta a toda la ciudadanía.  A partir de las 22:30h y hasta las 03:00h de la mañana, la fachada del Museo orientada a la plaza norte  acogerá la proyección del videomapping ´Cuando el cielo se apaga, el Museo se enciende’. La emblemática torre del Museo se convertirá entonces en un gran lienzo audiovisual  sobre el que sucederán imágenes astronómicas y contenidos relacionados con la institución.

La experiencia estará acompañada por las actuaciones en directo  de varios DJs locales que pondrán la banda sonora a la velada. Asimismo, el restaurante Sibaritas Klub, dirigido por el reconocido cocinero Javier Peña, instalará una barra exterior en la que los asistentes podrán disfrutar una selección de bebidas y de un pincho temático inspirado en el eclipse, creado en exclusiva para la ocasión y disponible a un precio asequible.

De esta forma, el entorno del Museo se convertirá en un espacio abierto  para vivir de una forma colectiva y festiva la cuenta atrás de uno de los acontecimientos astronómicos más relevantes de las últimas décadas.

Concurso de fotografía del eclipse

Por último, el Museo de la Ciencia, en colaboración con las asociaciones de fotografía y astronomía de Valladolid, convocará un concurso fotográfico dirigido a mayores de 16 años. Este certamen propondrá a los participantes captar el momento del eclipse desde cualquier parte de Valladolid, valorándose especialmente aquellas imágenes que integren y pongan en valor el patrimonio vallisoletano. El concurso contará con tres premios principales que consistirán en abonos de temporada para el Teatro Calderón ZONA A, ZONA B y carnés de amigos del Museo. Además, se concederá un premio del público dotado con  2 abonos para la Seminci 2026.

De esta forma, el Museo de la Ciencia se suma a la celebración de un acontecimiento astronómico de alcance internacional con la organización de una programación especial de actividades que combina divulgación, cultura y ocio. 
 

El concejal de Comercio, Mercados y Consumo, Víctor Martín; ha inaugurado esta mañana la exposición acompañado por el presidente de la Asociación de Ceramistas de Valladolid (ACEVA), Juan Carlos Gimeno. 

El recorrido expositivo presenta las 23 obras finalistas, seleccionadas de entre todas las que han concurrido a la convocatoria desde diferentes rincones de España, además de países como Portugal, Bélgica o Argentina.

La obra merecedora del primer premio del XXV Concurso de Cerámica – XII Encuentro Internacional ACEVA, dotado con 2.500 euros, es “Ilices Supra Agrum Aratum”, presentada por el escultor salmantino Iñaki Sánchez Barrado. Se trata de una composición de original creatividad con manufactura exquisita y una relevante complejidad técnica. Es una de las piezas que el público podrá conocer en la exposición de la Casa Revilla, junto con las reconocidas por el jurado con menciones especiales: “Dinámica de la materia”, de Cristina Salvans Moreso (Tarragona); “Estado T1”, de Isabel Real Bravo (Madrid), y “Jardín interior”, de Susana del Aire (Madrid).

El jurado de este año ha estado formado el concejal de Comercio, Mercados y Consumo, Víctor Martín; la ceramista Rosa Varela, el pintor Pablo Ransa y el galerista Javier Silva.

La muestra, que podrá visitarse con entrada gratuita hasta el 20 de septiembre, explora la cerámica contemporánea como lenguaje artístico universal a través de piezas realizadas por creadores ubicados en diferentes puntos de la geografía española e internacional. En su recta final, además, la exposición coincidirá con la 48ª Feria de Cerámica y Alfarería de Valladolid, una confluencia que convertirá a la ciudad en referente nacional del sector, tanto para la alfarería tradicional como para las expresiones más vanguardistas del arte cerámico. 

La muestra, organizada por la Asociación de Ceramistas de Valladolid (ACEVA), cuenta con el patrocinio de la Concejalía de Comercio Mercados y Consumo y la colaboración de la Fundación Municipal de Cultura.

La exposición puede visitarse en la Sala Municipal de Exposiciones de la Casa Revilla hasta el 20 de septiembre, con entrada gratuita, en horario de martes a domingo y festivos de 12:00 a 14:00 y de 18:30 a 21:30 horas. 

La concejala de Educación y Cultura, Irene Carvajal, ha presentado esta mañana la nueva muestra de la Sala Municipal de Exposiciones de La Pasión – Fundación Municipal de Cultura (FMC), ‘Celebrando a Marilyn’, una propuesta que explora la construcción del mito de Marilyn Monroe a través del arte contemporáneo en el centenario de su nacimiento. Durante el acto, la edil ha estado acompañada por el coleccionista Joseluís Rupérez.

La propuesta, que puede visitarse con entrada gratuita hasta el 27 de septiembre, reúne 125 piezas procedentes de la colección RawArty. Una selección de fotografías, litografías o carteles de autores como Andy Warhol, Salvador Dalí, Roy Lichtenstein o Banksy, entre otros, que ofrece una amplia mirada sobre el proceso de transformación de una anónima Norma Jean en una célebre Marilyn Monroe y sobre cómo el arte contribuyó a convertirla en símbolo universal de la cultura popular. 

‘Celebrando a Marilyn’, propuesta con la que la Fundación Municipal de Cultura se suma a la conmemoración del centenario del nacimiento de la actriz, modelo y cantante estadounidense, plantea una reflexión acerca de la construcción de los iconos y los mecanismos capaces de transformar una imagen en un referente cultural a través del caso paradigmático de Marilyn Monroe. Fotógrafos, pintores, diseñadores y artistas gráficos reinterpretaron visualmente a Marilyn desde diferentes latitudes y lenguajes hasta convertirla en un mito del arte contemporáneo. 

El recorrido de la exposición comienza con uno de sus momentos más recordados de su exposición pública, su visita a las tropas estadounidenses en Corea. A partir de este punto de partida, la muestra estructura en varias secciones: ‘Todo sobre sus películas’, una mirada a sus principales trabajos cinematográficos a través de sus carteles; ‘La metamorfosis de Norma Jean’, una selección de obras que ilustran la evolución de la joven modelo en una estrella mundial convertida en musa del pop art y acaba en el urban art en con la sección ‘Deconstruyendo a Marilyn’.

En la antigua capilla del Museo se podrá contemplar también un mediometraje de distintos momentos de su carrera profesional, acompañada por los que fueron sus maridos Joe di Maggio y Arthur Miller, entrevistas personales donde oiremos a Norma Jean en vez de a Marilyn Monroe y la famosa elegía fúnebre que le dedicó su mentor Lee Strasberg.

La construcción de un mito universal

El recorrido planteado por la exposición aborda la transformación de Norma Jean Mortenson, una chica de orígenes humildes con una infancia marcada por carencias y abusos, en uno de los iconos más reconocibles del siglo XX. Sus primeras imágenes como modelo pin up, realizadas por fotógrafos como Earl Moran o Tom Kelly y recuperadas para la muestra, condicionarían el resto de su carrera y su percepción pública.

La fotografía fue uno de los medios fundamentales para la proyección de su imagen, pero también el lenguaje que con mayor profundidad captó su lado más íntimo. La exposición muestra cómo algunos de los fotógrafos más relevantes del pasado siglo -Philippe Halsman, Milton H. Greene o Richard Avedon - capturaron con su cámara tanto su magnética y mediática presencia como su faceta más vulnerable. 

El capítulo que la muestra dedica a su trabajo en la gran pantalla repasa, a través de una colección de carteles, una carrera inicialmente marcada por el estereotipo de la ‘rubia ingenua’ en películas como Los caballeros las prefieren rubias. Sin embargo, sus dotes para actuar, cantar y bailar la llevaron a trabajar con los directores más aclamados de su época, desde John Huston o Billy Wilder hasta Fritz Lang o Howard Hawks. En sus últimos años, Marilyn busca orientar su carrera hacia papeles de mayor profundidad dramática, en consonancia con la formación que había recibido en instituciones de prestigio como el Actors Studio de Nueva York. El reconocimiento a su talento llega en 1958, cuando recibe el premio David de Donatello en Italia por Con faldas y a lo loco. Dos años después ganaba con la misma película el Globo de Oro. 

‘Celebrando a Marilyn’ continúa su recorrido abordando su faceta como musa indiscutible del arte pop. Creadores como Andy Warhol, Roy Lichtenstein o Salvador Dalí se apropiaron de su imagen para reinterpretarla desde sus propios lenguajes y situarla como un referente en la frontera entre cultura popular y arte contemporáneo. 

La repetición de su retrato en obras como la ‘Marilyn Suite’ de Andy Warhol, que puede verse en la exposición, reforzará el carácter icónico de la actriz y su atemporalidad. La muestra presenta también obras de artistas como Mimo Rotella, Robert Indiana, Salvador Dalí o, en décadas posteriores, David LaChapelle, Banksy o RYCA, como ejemplo de la capacidad de la imagen de Marilyn Monroe para convertirse en ‘la Gioconda del siglo XX’.

El recorrido se cierra con una colección de objetos personales de la actriz, tan valorados en el mercado de las subastas, que evidencian el valor de su figura como símbolo de la cultura de masas.  

La exposición se complementa con una aplicación para dispositivos móviles que permitirá al visitante descubrir sus distintas secciones, leer y escuchar el relato de las obras más destacas, disfrutar de una playlist con los momentos musicales que acompañaron la vida de Marilyn y realizar un recorrido virtual por la muestra (rawartyapp.com)

Ciclo de cine

De forma paralela a la exposición, la Fundación Municipal de Cultura organiza un ciclo que proyectará cinco títulos vinculados a Marilyn Monroe que comenzó ayer con Los caballeros las prefieren rubias (Howard Hawks, 1953) y continuará con  Cómo casarse con un millonario (Jean Negulesco, 1953) el jueves 30 de julio, La tentación vive arriba (Billy Wilder, 1955) el martes 15 de septiembre, Con faldas y a lo loco el martes 22 de septiembre y Vidas rebeldes (John Huston, 1961) el viernes 25 de septiembre.

Las proyecciones, que tendrán lugar en Espacio Seminci (c/Leopoldo Cano) con comienzo a las 20:00h, serán de entrada libre hasta completar el aforo.

Información práctica

‘Celebrando a Marilyn’ puede visitarse en la Sala de Exposiciones de La Pasión, con entrada gratuita, hasta el 27 de septiembre. El horario del centro es de martes a domingo y festivos de 12:00 a 14:00 y de 18:30 a 21:30h.

La Fundación Municipal de Cultura organiza visitas comentadas de miércoles a domingo a las 20:00h, totalmente gratuitas y sin necesidad de inscripción previa. 

La Sala Municipal de Exposiciones de Las Francesas presenta ‘Referentes. Antología de la calle’, propuesta de la Fundación Municipal de Cultura (FMC) que reúne a destacados creadores de arte urbano contemporáneo vinculados al espacio público y a la ciudad de Valladolid. La concejala de Educación y Cultura, Irene Carvajal, ha inaugurado esta mañana la muestra acompañada por el artista vallisoletano Cless, comisario de la muestra que puede visitarse hasta el 27 de septiembre, y por la coordinadora del programa CreArt, María Mozo. 

‘Referentes. Antología de la calle’ centra la exposición anual ‘Creadores’ en 2026. Este año establece un diálogo con Ephemera, el festival de intervenciones artísticas en el espacio público promovido por la FMC a través del programa CreArt, con motivo de su quinto aniversario.  La muestra conecta, así, la trayectoria de artistas referentes con la huella que muchos de ellos han dejado en Valladolid a través de sus intervenciones en ediciones anteriores de Ephemera. 

Aryz, Btoy, Den XL, Dani Jaleos, J.Demsky, Jeosm, Jorge Peligro, Miss Van, Nano 4814, Spok Brillor y el colectivo Valladolid con Carácter son los artistas presentes en esta ‘antología de la calle’; una propuesta que no solo reconoce su relevancia e influencia, sino que también repasa la evolución de una práctica considerada marginal durante años y que hoy cuenta con un reconocimiento consolidado dentro del circuito artístico contemporáneo.

‘Referentes’ reúne, a partir de los estilos y lenguajes propios de cada artista, las diferentes disciplinas del street art. Muralismo, graffiti, stencil, instalación escultórica, fotografía documental y patrimonio tipográfico están presentes en la propuesta expositiva. 

Obras creadas para ‘Referentes’

Uno de los puntos centrales de la muestra se encuentra en el altar de la antigua Iglesia de Las Francesas, donde el artista catalán Aryz presenta Danza macabra, un mural concebido como un retablo contemporáneo que aborda la relación entre la vida y la muerte e invita a la reflexión sobre el paso del tiempo y la condición humana. 

Por su parte, la francesa Miss Van expone una obra creada específicamente para esta propuesta: un gran díptico protagonizado por icónicas figuras femeninas que funcionan como símbolos de identidad, deseo y transformación. También con un lugar destacado en la muestra podrá verse el trabajo de Btoy (Andrea Michaelsson), una de las máximas exponentes en España en el uso del stencil, que invita al visitante a entrar en su universo creativo a través de una instalación donde, mediante el collage y múltiples capas de pintura de vibrante color y textura, reflexiona sobre la construcción de la identidad. 

Frente a estos lenguajes, el artista madrileño Jeosm presenta una selección de fotografías, algunas de sus primeras imágenes y retratos vinculados a la escena urbana. 

Diálogo con Ephermera y con Valladolid

Con motivo del quinto aniversario de Ephemera, la muestra incorpora trabajos recientes de creadores vinculados al festival, que han dejado su impronta en las calles de Valladolid gracias a su participación en el certamen convocado por la FMC. 

Den XL (autora del mural en la calle de López Gómez), Nano4814 (firma detrás del mural en el cruce entre las calles Tirso de Molina y Mirabel), Spok Brillor (mural en la calle San Fernando, a la altura de calle del Olmo), Jorge Peligro (mural en calle Recondo) y J. Demsky (mural en calle Torquemada junto a calle Rondilla de Santa Teresa) son los creadores presentes en la muestra que han participado en ediciones anteriores de Ephemera. 

Las obras que ahora se exponen trasladan al espectador de su trabajo en la calle a su trabajo de estudio a través de proyectos nuevos, como la última producción de J.Demsky, realizada con azulejos impresos, o la instalación de Jorge Peligro, ‘La calle es gratis / Abierto 24 horas’, que combina graffitti, collage y audiovisual para simular un cine clandestino. Esta última dialoga con la intervención del colectivo local Valladolid con Carácter, una instalación que recupera rótulos de diferentes comercios vallisoletanos como parte de la memoria de la ciudad. 

La presencia del arte con sello vallisoletano se cierra con las fotografías de Dani Jaleos, una selección de instantáneas que presentan su particular mirada ligada a la cultura underground. 

‘Referentes. Antología de la calle’ será, además, el punto de partida de las dos rutas guiadas organizadas por la Fundación Municipal de Cultura para dar a conocer los proyectos que participan en esta quinta edición de Ephemera. 

Esta misma tarde, a las 19:00h, tendrá lugar el primer recorrido, que comenzará con la presentación de la exposición para, a continuación, conocer las piezas de Ephemera 2026. Por último, el día 25 de septiembre, también a las 19:00h, una segunda ruta descubrirá a los asistentes los ‘referentes de la calle’ que integran la muestra y una selección de proyectos que han formado parte en los cinco años del festival Ephemera. 

Información práctica

‘Referentes. Antología de la calle’ permanecerá en la Sala Municipal de Exposiciones de Las Francesas hasta el 27 de septiembre. El horario de apertura es de martes a domingo y festivos, de 12:00 a 14:00 y de 18:30 a 21:30h. La entrada es gratuita.

La participación en las rutas guiadas del festival Ephemera con comienzo en la exposición, los días 3 de julio y 25 de septiembre a las 19:00h, será libre, sin necesidad de inscripción previa.

El director técnico del Planetario del Museo de la Ciencia de Valladolid, Luis Fernández Sanjuan, ha presentado hoy el nuevo programa ‘La biblioteca de Babel’. Una proyección, de producción propia, que realiza un recorrido por la historia de la escritura y su estrecha relación con el agua, un elemento fundamental para el desarrollo de las civilizaciones y la transmisión del conocimiento. 

En el acto han participado también varios de los expertos que han colaborado en el desarrollo del guion del programa: Mariano Esteban, Luis Delgado y Nuria Galicia. Además, la presentación ha contado con la presencia de los actores Carlos Pinedo, Anahi Van der Blick y Jesús Peña.

El agua, fuente de inspiración para escritores y motor del progreso humano, constituye el hilo conductor de esta nueva propuesta. A lo largo de la historia, este recurso ha favorecido el asentamiento humano, el desarrollo de las grandes civilizaciones y el intercambio cultural, además de resultar imprescindible para la fabricación de papel y de otros materiales utilizados para la escritura.

Desarrollado con la colaboración de Aquavall, el programa cuenta con la participación de cinco expertos que abordan la temática propuesta desde diferentes perspectivas: Isaac Moreno, ingeniero civil, historiador y comunicador español;  Joaquín Araujo, naturalista y escritor; Mariano Esteban, doctor en Ciencias Físicas y licenciado en Derecho;  Luis Delgado, músico y compositor; y Nuria Galicia, bibliotecónoma y profesora.

De esta forma, a lo largo de 50 minutos, el programa explica cómo la gestión y aprovechamiento del agua favorecieron el surgimiento de las ciudades, da a conocer los procesos de elaboración de diferentes soportes documentales y pone de relieve la importancia de los códigos gramaticales y de los códices musicales en la conservación y transmisión del conocimiento.

Asimismo, la proyección resalta el papel fundamental de las bibliotecas como espacios de custodia y difusión del saber. Los primeros centros de este tipo surgieron en Mesopotomia en el año 3.000 a.C para almacenar las tablillas de barro en las que se conservaba la información y posteriormente, fueron transformándose en espacios abiertos en los que compartir y difundir ideas.

Este interesante programa, a cúpula completa, permitirá a los espectadores descubrir múltiples curiosidades como que para fabricar una sola hoja de papel se necesitan 10 litros de agua, que los monjes de la Alta Edad Media crearon los scriptorium, talleres dedicados a la copia y desarrollo de nuevos manuscritos;  o que la tablilla de hurrit, datada alrededor del año 1.400 a.C, contiene el denominado Himno a Nikkal, considerado uno de los testimonios musicales escritos más antiguos de la humanidad. 

‘La biblioteca de Babel’ se incorporará a la cartelera del Planetario a partir de 3 de julio, y se proyectará los viernes a las 17 h.  El precio de la entrada es de 4 €, para público general y gratuito para Amigos del Museo.