La concejala de Educación y Cultura, Irene Carvajal, ha presentado esta mañana la nueva fase de la Red Europea de Ciudades por la Creación Artística (CreArt), un proyecto que, liderado por la Fundación Municipal de Cultura del Ayuntamiento de Valladolid, reúne a trece localidades e instituciones de doce países. Ha estado acompañada por la coordinadora del mismo, María Mozo.

Esta es la tercera vez que la Comisión Europea selecciona la propuesta. En esta ocasión, aportará 1.901.548 euros a través del programa Europa Creativa para el desarrollo de actividades de intercambio, fomento de la creación artística y desarrollo de redes de la colaboración entre 2024 y 2026. Festivales, conferencias, programas educativos y más de 40 residencias internacionales para artistas son algunas de las iniciativas en las que trabaja la red formada por, además de Valladolid, Venecia (Italia), Skopje (Macedonia del Norte), Kaunas (Lituania), Clermont-Ferrand y Rouen (Francia), Aveiro (Portugal), Asociación Croata de Artistas (Croacia), Regensburg (Alemania), Oulu ( Finlandia), Budějovice 2028 (República Checa), Liepāja (Letonia), Lublin (Polonia) y la Asociación artística ‘Diálogo’ en Lviv (Ucrania).

Valladolid, coordinadora de CreArt 3.0, contará con una financiación europea de 264.922 euros en este periodo para el apoyo a la producción artística local y su promoción exterior en la red.

El centro de creación vallisoletano Galerías Va, donde ha tenido lugar la presentación de esta nueva fase de CreArt, acogerá durante este año hasta 17 residencias para el desarrollo de proyectos ubicados en la ciudad y organizará una residencia internacional para tres creadores visuales de otros países de la red.

Además, durante mayo, fijado en la red como Mes Europeo de la Creatividad Artística, se celebrará la XI edición del festival de artistas emergentes CreaVA y una nueva edición de la exposición colectiva ‘Creadores’, dedicada este año a las nuevas narrativas del collage contemporáneo. Por su parte, en septiembre tendrá lugar una nueva cita con el arte en el espacio público a través del festival Ephemera.

Entre las acciones contempladas por CreArt en Valladolid para esta nueva etapa figuran, también, programas educativos para centros escolares y una nueva plataforma digital que aglutine todas las iniciativas de cultura de base en la ciudad.

Primeros residentes en Galerías VA

La tercera edición de residencias en Galerías VA arranca con cinco proyectos de larga duración: los de Javier Casado, que pondrá en valor el patrimonio de la ciudad, y Laboratorio Kirolab 3D, que reflexionará sobre las posibilidades de la impresión en tres dimensiones; Teselas Gestión Cultural, que desarrollará un proyecto de recuperación de la memoria colectiva a través de la fotografía; la Asociación Cultural Rodinia, centrada en el cine y organizadora del festival de cortos que lleva su nombre; y la Asociación Makers Valladolid, que continuará fomentando la innovación a través de tecnologías como la robótica.  Respecto a las residencias bimestrales, han sido seleccionados los proyectos de América Alonso (Mujeres por carta), impulsora de una red de correspondencia que pone el valor el legado de las mujeres; y Aurora Arenales (calambr3d), que realizará objetos funcionales con novedosas técnicas y los añadirá, a posteriori, una capa de realidad aumentada.

Todos ellos organizarán diferentes actividades culturales abiertas a la ciudadanía y mostrarán su trabajo durante el horario de apertura del espacio al público, de miércoles a viernes de 18 a 21 horas.

Convocatorias abiertas

El programa de residencias bimestrales en Galerías VA mantiene abiertas las inscripciones durante todo el año. Las personas, colectivos, y empresas que deseen desarrollar su proyecto en este espacio pueden de acuerdo con las bases publicadas en el tablón de anuncios del Ayuntamiento de Valladolid.

Los artistas visuales nacidos o residentes en Valladolid interesados en completar su formación en un programa de artista en residencia en el extranjero pueden optar a las convocatorias que se publicarán en la web de CreArt. En la actualidad hay procedimientos abiertos para el desarrollo de residencias creativas en Regensburg, Venecia y Kaunas durante los meses de mayo y junio.

Sobre el proyecto CreArt

La Red de Ciudades Europeas por la Creación Artística (CreArt) es un proyecto de cooperación cultural europeo puesto en marcha y liderado por la Fundación Municipal de Cultura del Ayuntamiento de Valladolid.

CreArt desarrolló su primera fase en el periodo 2012-2017 y una segunda etapa en 2017-2021. En ambos casos contó con el apoyo del programa de Cultura de la Unión Europea.

A lo largo de su trayectoria ha sido reconocido a nivel internacional por su innovación y calidad. La propia Comisión Europea lo incluyó como ejemplo de buenas prácticas en su manual ‘Policy Handbook on Artist’s Residences’ (2015). Además, gracias a CreArt, Valladolid fue la única ciudad española finalista de los premios EUROCITIES 2018 en la categoría de ‘Cooperación’. Del mismo modo, fue elegida como ejemplo de buenas prácticas por la plataforma Urban Sustainbility Exchange (USE) para la promoción del desarrollo sostenible.

El Museo de la Ciencia de Valladolid – Fundación Municipal de Cultura organiza durante las vacaciones escolares de Semana Santa una nueva edición de ‘Planetario en familia’. Una iniciativa gracias a la cual los visitantes podrán disfrutar, del 23 de marzo al 2 de abril, de una programación especial de Planetario dirigida a público familiar.

‘Los sonidos del bosque’ (de 0 a 3 años), ‘Polaris’, ‘El cielo de Cloe’ y ‘La niña que sabía caminar al revés’ (a partir de 3 años), ‘Dinosaurios. Una historia de supervivencia’ (a partir de 7 años) y ‘Voyager. Mensaje en una botella’(a partir de 10 años) serán los 6 programas a proyectar de acuerdo al siguiente calendario:

23, 28, 29 y 30 de marzo

• 10:30 h  Polaris 

• 11:15 h  Dinosaurios. Una historia de supervivencia 

• 12:15 h  Voyager. Mensaje en una botella 

• 13:00 h  Los Sonidos del Bosque 

• 17:00 h  La niña que sabía caminar al revés 

• 18:00 h  El cielo de Cloe  

24 y 31 de marzo

• 10:30 h  Polaris 

• 11:15 h  Voyager. Mensaje en una botella 

• 12:15 h  Dinosaurios. Una historia de supervivencia 

• 13:00 h  Los Sonidos del Bosque  

26 y 27 de marzo 

• 10:30 h  Polaris 

• 11:15 h  Voyager. Mensaje en una botella 

• 12:15 h  Dinosaurios. Una historia de supervivencia 

• 13:00 h  Los Sonidos del Bosque

• 17:00 h  El cielo de Cloe  

2 de abril 

• 13:00 h  Dinosaurios. Una historia de supervivencia 

• 17:00 h  El cielo de Cloe

El precio por sesión, cuyas entradas se pueden adquirir de forma anticipada en la recepción del Museo, es de 4 € (gratuito, para las personas inscritas como ‘Amigos del Museo’).

Por otro lado, y de forma extraordinaria, el Museo de la Ciencia de Valladolid abrirá sus puertas el jueves 28 y el viernes 29 de marzo, de 10 a 19 h. El resto de días el horario será el habitual.

 

La concejala de Cultura y Educación del Ayuntamiento de Valladolid, Irene Carvajal, y el adjunto al presidente de la Asociación Colección Arte Contemporáneo, Manuel Valencia, han rubricado hoy una adenda al convenio de cesión en comodato vigente de los fondos artísticos de la Colección Arte Contemporáneo del Museo Patio Herreriano por tres años más.

En el acto han estado acompañados por Javier Hontoria, director del Museo, Maria Luisa Barrio, responsable de Patrimonio histórico-artístico del BBVA, Pedro Tomey, presidente de la Fundación AON y Lorena Martínez Corral en representación de la Directora de la Colección Maria de Corral.
Asociación Colección Arte Contemporáneo

La Asociación Colección Arte Contemporáneo fue creada en 1987 cuando una treintena de empresas españolas alentadas por Julián Trincado, en ese momento presidente de Unión Fenosa, asumieron el compromiso de contribuir a la conservación y divulgación del patrimonio artístico a través de la formación de una colección de obras de arte con el objetivo de descubrir, rescatar y narrar la Historia del Arte Español del Siglo XX.

Los miembros, socios protectores, realizarían aportaciones económicas anuales para adquirir las obras de arte contemporáneo que se incorporarían a la colección. La Junta Directiva aprobaría la adquisición de éstas y la selección la propondría una Comisión Asesora constituida por primerísimos expertos. Así ha sido durante más de veinticinco años.

Desde el principio la Comisión Asesora y la Junta Directiva establecieron que las adquisiciones se realizarían atendiendo, no tanto a las grandes figuras que acapararían exclusivamente para si todos los recursos, sino a una historia no narrada y descriptiva del arte de España en el siglo XX y posteriormente en el XXI. A partir de esas conclusiones se delimitó el marco de actuación que desde entonces ha caracterizado la Colección: la búsqueda y protección del arte emergente realizado en nuestro país, así como el rescate y puesta en valor de la historia de nuestras vanguardias desde 1916.

A partir de los 90 la Asociación decidió buscar un emplazamiento estable para la colección que permitiera poner en valor la importancia de la misma, desde el punto de vista histórico y cultural, así como su mantenimiento y gestión. Esta búsqueda culminó con el proyecto del Museo Patio Herreriano, fruto de la colaboración entre el Ayuntamiento de Valladolid, titular del edificio y principal fuente de financiación, y la Asociación Colección Arte Contemporáneo, propietaria de la Colección Permanente del Museo. El 14 de enero de 2000 se firmó un acuerdo mediante el cual la Asociación cedía en comodato los fondos artísticos actuales y futuras adquisiciones de su colección para el disfrute público por periodos prorrogables.

La Colección Arte Contemporáneo ha ido creciendo anualmente hasta reunir un conjunto de más de mil esculturas, pinturas, obras sobre papel, fotografías, videos e instalaciones, de los siglos XX y XXI, donde aparecen representados la mayor parte de artistas españoles o que, habiendo nacido en otros países, han producido en España, y donde destaca con claridad el Fondo Ángel Ferrant, formado por esculturas, dibujos y el archivo documental de este importante artista de la primera mitad del siglo pasado.

La Asociación ha creado y sigue creando una Colección única, cuyo estudio es imprescindible para aquel que quiera conocer el Arte Contemporáneo Español, manteniendo así vivo su compromiso con la “labor de mecenazgo” y confirmándola en su carácter de coleccionismo privado con una clara intención de servicio público.

Los que hoy se sientan en este barco llamado Asociación Colección de Arte Contemporáneo llevan más de 25 años remando juntos con vocación de mecenazgo; unidos y conscientes del papel que su quehacer ha jugado y sigue jugando en la configuración de la Historia del Arte Contemporáneo español, así como en el descubrimiento de elementos sustanciales de la historia social de España.
 

La concejala de Educación y Cultura, Irene Carvajal, y la directora de Exposiciones de Arte Contemporáneo de GACMA y comisaria, Antonella Montinaro, han presentado esta mañana ‘This is Pop!’ muestra dedicada al pop art a través de la obra de los grandes maestros del movimiento, desde Warhol a Lichtenstein, que puede verse en la Sala de Exposiciones de Las Francesas – Fundación Municipal de Cultura hasta el próximo 5 de mayo.

La propuesta reúne una selección de más de 25 artistas y más de 50 piezas, además de un fragmento audiovisual. El recorrido abarca toda la historia del arte pop, desde sus orígenes en los años 50 hasta la actualidad, y ofrece una amplia perspectiva de su expansión geográfica a través de la obra de artistas de Estados Unidos, Reino Unido, Japón o España; además de prestar atención a su estrecha relación con la música. En su medio siglo de evolución, los movimientos que se entreveran en esta corriente mantienen vigente la defensa de un estilo que se da la mano con la llamada ‘cultura popular’.

Estructurada en cinco bloques, la muestra arranca con un apartado dedicado a sus albores, en la Inglaterra de los años 50, como reacción al expresionismo abstracto encabezada por el llamado Independent Group. Algunos de sus principales miembros, como Eduardo Paolozzi, Richard Hamilton, Allen Jones y Peter Blake, representan esta etapa en la muestra. Con una concepción rupturista del arte que abría las puertas a elementos tomados de la publicidad y la cultura de masas, el pop art lograba una postura estética que implicaba una crítica a la sociedad consumista.

El segundo capítulo muestra la rápida influencia que el movimiento tuvo en los Estados Unidos, donde surgen algunas de las figuras más conocidas del género como Andy Warhol, Robert Rauschenberg o Roy Lichtenstein. Fue tomado, como indica el título de este apartado, como ‘un reflejo del estilo de vida americano’.  

Los elementos tomados de la llamada cultura popular y la estética basada en líneas claras y pintura nítida tuvieron su reflejo también en España, si bien asumió un marcado carácter social y un tono político. La creación nacional está presente en el recorrido a través de la obra de Equipo Crónica, Equipo Realidad, Eduardo Arroyo y Rafael Canogar.

Desde esta época, la muestra camina hacia los artistas que han nutrido el movimiento en décadas posteriores. Así, un apartado centrado en ‘La posmodernidad artística y el Neopop’, corriente que surge en los años 80 del pasado siglo XX; exhibe piezas del estadounidense Jeff Koons, de los británicos Damien Hirst y Julian Opie y los japoneses Takashi Murakami y Yoshitomo Nara. En un tiempo marcado por el impacto de las nuevas tecnologías, el exceso de información y la pluralidad de lenguajes y materiales; los artistas profundizan en la producción en masa iniciada por sus predecesores hasta el punto de montar sus propias factorías.

El recorrido presta atención a las manifestaciones del pop art en el entorno urbano, habituales desde los años 80, con el foco puesto en las creaciones de algunos de los muralistas más aclamados de la actualidad: Shepard Fairey (Obey), Brian Donnelly (Kaws), Dean Stockon (D*Face) y los españoles Boamistura, Dulk, Okuda y Ricardo Cavolo.

Por último, ‘This is Pop!’ recuerda la estrecha relación entre el movimiento plástico y la música con la exposición de portadas de álbumes realizadas por algunos artistas presentes en el recorrido y otros como Bansky o Peter Blake para grupos como The Beatles, Rolling Stones, Blur o Lady Gaga; acompañadas por códigos QR que enlazan a temas de estos míticos discos de vinilo.

Información práctica

La muestra ‘This is Pop!’, producida por Arte Contemporáneo GACMA con la colabo-ración de la Fundación Municipal de Cultura de Valladolid, puede visitarse, con en-trada gratuita, en la Sala Municipal de exposiciones de la Iglesia de Las Francesas hasta el 5 mayo en su horario habitual: de martes a domingo, de 12:00 a 14:00 y de 18:30 a 21:30 horas. 
 

El alcalde de Valladolid, Jesús Julio Carnero; el presidente de la Junta de Cofradías de la Semana Santa de la ciudad, Miguel Vegas; el fotógrafo Chema Concellón, y el comisario de la muestra, Julio César García, han presentado esta mañana en la Sala Municipal de La Pasión – Fundación Municipal de Cultura (FMC) la exposición en torno a la Semana Santa ‘Dramaturgia poliédrica. Cuatro décadas de pasión fotográfica’.

A través del lenguaje fotográfico, la exposición pone de manifiesto la relevancia artística y humana de la Semana Santa de Valladolid y su evolución desde que, a finales de los años 80, Chema Concellón, fotógrafo oficial de la Semana de Pasión vallisoletana, comenzara a inmortalizar la festividad cámara en mano. Una propuesta que reúne 150 instantáneas en blanco y negro, a las que se suman una imagen de gran formato y una pieza audiovisual.

El recorrido se organiza en cuatro ejes temáticos: ‘Proscenio’, ‘Protagonistas’, ‘Figurantes’ y ‘Atrezo’-, concebidos como cuatro aspectos indivisibles de un drama sacro, la Semana de Pasión. Así, el capítulo de apertura, ‘Proscenio’, establece un paralelismo entre el espacio escénico en el que se desarrolla la acción dramática del teatro y los lugares de la ciudad que reciben, inundados de fieles, las procesiones. Monumentales plazas, solemnes templos y fachadas históricas se convierten en telón de fondo en la senda de cofradías y pasos penitenciales.

‘Protagonistas’, segundo apartado de la exposición, cede el protagonismo a las tallas, obra de los grandes maestros de la imaginería, que cada Semana Santa abandonan templos y museos para procesionar tal y como fueron concebidas. El objetivo de

Chema Concellón se aproxima a los pasos para mostrar aquellos detalles que pasan desapercibidos al espectador, los escorzos más desconocidos y los encuadres más evocadores.

Como elementos imprescindibles en el drama sacro protagonizado por los pasos asoman los ‘Figurantes’. Cofrades enmascarados que acuden a la cita de su hermandad y niños que siguen la tradición familiar, ‘manolas’ que visten el luto y devotos que esperan anhelantes los cortejos procesionales; todos ellos, cuya presencia convierte la Semana de Pasión en un acto social y de encuentro, han sido captados por la mirada de Concellón.

Cierra el recorrido ‘Atrezo’, capítulo dedicado a aquellos objetos, desde piezas de utilería a vestuario, que, convertidos en señas de identidad de las cofradías, completan la puesta en escena de cada procesión. La simbólica palma de ramos, elaboradas varas, telones que jalonan calles y plazas o el incienso que inunda el ambiente son algunos de los elementos a los que apunta el objetivo del fotógrafo.

La muestra ‘Dramaturgia poliédrica. Cuatro décadas de pasión fotográfica’ podrá visitarse en la Sala Municipal de Exposiciones de La Pasión hasta el próximo 28 de abril, de martes a domingo y festivos en horario de 12:00 a 14:00 y de 18:30 a 21:30 horas.

La FMC ofrece, además, visitas comentadas de miércoles a domingo a las 20:00 horas para público general, y concertadas para escolares y grupos organizados con reserva previa en exposiciones@fmcva.org

Programa complementario

La Junta de Cofradías de la Semana Santa organiza, de forma paralela a la exposición y en la propia Sala, un programa de actividades en torno a la Pasión. La primera cita, un concierto de cámara a cargo del grupo ‘Ad Libitum’, repasará las marchas procesionales más conocidas el viernes 8 de marzo, a las 20:30 horas.

El autor de las imágenes, Chema Concellón, participará en un ciclo de mesas redondas junto con profesores, periodistas y profesionales de diferentes ámbitos de la cultura para dialogar sobre ‘Fotografía y antropología en la Semana Santa de Valladolid’ (sábado 9 de marzo, 12:00 horas), ‘Prensa y fotografía en Semana Santa’ (sábado 16 de marzo, 12:00 horas), ‘La fotografía, expresión artística’ (viernes 12 de abril, 20:00 horas) y ‘La fotografía como testimonio histórico’ (viernes 26 de abril, 20:00 horas).

Todas las actividades son de entrada libre hasta completar el aforo y tendrán lugar en la primera planta de la Sala de La Pasión.

‘Dramaturgia poliédrica’ es una exposición organizada por la Junta de Cofradías de la Semana Santa de Valladolid y la FMC, con la colaboración de la Junta de Castilla y León y la Diputación de Valladolid. 
 

La concejala de Educación y Cultura, Irene Carvajal, y la conservadora del Museo Reina Sofía, Patricia Molins, han presentado hoy en el Museo Patio Herreriano la exposición ‘Delhy Tejero. Geometría y misterio’, que se podrá visitar desde el sábado 2 de marzo hasta el 9 de septiembre en las Salas 1 y 2 del centro.

En el acto, en el que también han participado la directora general de Políticas Culturales de la Junta de Castilla y León, Inmaculada Martínez Merino; el director del Museo Patio Herreriano, Javier Hontoria, y los familiares de Delhy Tejero, Dolores Vila Tejero e Inés Vila Vandangeon, se ha detallado el recorrido dedicado a la autora zamorana. 

Las dos salas marcan una división aproximada entre la obra realizada por Delhy Tejero (Toro, 1904 - Madrid, 1968) de preguerra y la de posguerra. La exposición recorre las primeras incursiones de la artista zamorana en el ámbito de la ilustración, da buena cuenta de un interés de corte antropológico por las tradiciones populares y es testigo de los viajes por diferentes lugares que se revelarían esenciales para su carrera, como París, Italia o Marruecos. Todo esto ocurriría en los años anteriores a la Guerra Civil española.

Los años cincuenta determinan una nueva dirección para ella, que en esta época avanza hacia la abstracción tras un primer momento que tiene como protagonista la figura humana, en el que ahonda en la fusión entre figuras que dan como resultado obras de gran singularidad.

De la parte final de su vida son sus trabajos para murales de grandes formatos en diferentes contextos. La muestra también recuerda esta etapa con la exhibición de notables ejemplos de trabajos preparatorios.

Delhy Tejero fue una de esas singulares artistas de vanguardia que tuvieron la capacidad de deslizarse con inusitada naturalidad por los diferentes escenarios artísticos de las décadas centrales del siglo pasado. 

Con su atención al paisaje, al acervo rural y a las tradiciones vernáculas, esta muestra cumple con el compromiso del Museo Patio Herreriano de conectar con el presente y con la historia del contexto artístico de Valladolid y de Castilla y León.

La concejala de Educación y Cultura, Irene Carvajal, ha inaugurado esta mañana en la Sala Municipal de Exposiciones de la Casa Revilla-Fundación Municipal de Cultura la muestra ‘De la palabra a la música. Instrumentos musicales históricos en la colección de Víctor J. Martínez López’, una propuesta elaborada para su presentación en Valladolid que podrá verse en este espacio hasta el próximo 28 de abril.

Durante el acto, al que también ha asistido el coleccionista y comisario de la muestra, se han desgranado los detalles de la selección de 24 tratados e instrumentos musicales ‘vivos’ que reúne el recorrido expositivo.

Entre los objetos más antiguos que se exhiben se encuentran piezas de los siglos XVI y XVII, como una guitarra de cinco órdenes dobles, junto al tratado Armonie Universalle de Marin Mersenne (1636); un Auto de los Reyes Magos de Licenciado Cosme, un salterio italiano y una colección de campanas de mano flamencas.

El recorrido transita por el siglo XVIII a través de un clavicordio alemán, un pianoforte de mesa de Juan del Mármol, constructor de pianos para Carlos III y Carlos IV; un órgano positivo de Jhon Longman de 1793 con representación en L’art du facteur d`orgues de Dom Bédos de Celles, (1766-1778), un ejemplar de La Gazeta de Madrid de finales de la centuria, un salterio italiano, junto con el Dictionnaire raisonné des sciences, des arts et des métiers o Encyclopedie de Diderot y D’Alembert (1751-1772); y un original de Reglas y Advertencias Generales que enseñan el modo de tañer todos los instrumentos mejores, y más usuales, como son la Guitarra, Tiple, Vandola, Cythara, Clavicordio, Organo, Harpa, Psalterio, Bandurria, Violin, Flauta Travesera, Flauta Dulce y la Flautilla, de Pablo Minguet (1754 y 1774).

La muestra se adentra, por último, en el XIX. De los albores del siglo del Romanticismo se exhiben dos arpas románticas de Pierre Challiot y una guitarra de seis cuerdas. Un órgano de cilindro, conocidos como ‘organillos’, y una celesta de Mustel idéntica a la que adquirió Tchaikovsky para crear la Danza de Azúcar para El Cascanueces -composición representada con un facsímil de la partitura- completan la propuesta.

El coleccionista y comisario de la propuesta, Víctor J. Martínez López, doctor en Historia del Arte y profesor asociado de la Universidad de Murcia, está especializado en el estudio, restauración y conservación de instrumentos musicales históricos. Ha realizado importantes trabajos de investigación y numerosas publicaciones científicas, además de diferentes restauraciones, entre las que destacan las llevadas a cabo en el área de instrumentos musicales para Colecciones Reales de Patrimonio Nacional o las realizadas en la Real Academia Canaria de Bellas Artes San Miguel Arcángel.

Información práctica

La muestra ‘De la palabra a la música. Instrumentos musicales históricos en la colección de Víctor J. Martínez López’ puede visitarse, con entrada gratuita, en la Sala Municipal de Exposiciones de la Casa Revilla hasta el 28 de abril en su horario habitual: de martes a domingo, de 12:00 a 14:00 y de 18:30 a 21:30 horas. 
 

La concejala de Educación y Cultura, Irene Carvajal, ha inaugurado hoy en el Museo de la Ciencia de Valladolid-Fundación Municipal de Cultura una nueva exposición temporal bajo el título ‘Filatelia y salud’. En el acto, ha estado acompañada por la directora del Museo de la Ciencia, Inés Rodríguez Hidalgo; la responsable de Cultura y Ciencia del Hospital Universitario 12 de Octubre de Madrid, Belén Yuste, y la directora de Filatelia de Correos, Leire Díez.

La muestra, que permanecerá en la Sala L/90º del Museo hasta el próximo 7 de abril, refleja cómo la filatelia ha representado a lo largo de la historia todos los aspectos de la salud y los avances de la medicina. 

De esta forma, a través de casi 200 sellos, distribuidos en 18 paneles informativos que incluyen texto e ilustraciones, los visitantes descubrirán la evolución de la medicina desde la antigüedad hasta la actualidad, así como diferentes conceptos relacionados con la salud y la enfermedad y los factores que interfieren en ellas.  

Asimismo, el recorrido, que se completa con 22 vitrinas con material filatélico y numismático nacional e internacional, incluye referencias a las tres ramas de actuación de la medicina -asistencial, docente e investigadora-, a las especialidades médicas y al importante papel de la enfermería.

La exposición, cuya entrada tiene un coste de 2 euros (gratuita para los ‘Amigos del Museo’), está organizada por la Dirección de Filatelia de Correos y la Unidad de Cultura Científica y de la Innovación del Hospital Universitario 12 de Octubre, con la colaboración de la empresa cultural Rocaviva Eventos.

Un TUSELLO dedicado al Museo

En el marco de la inauguración de la exposición ‘Filatelia y Salud’ se ha presentado también el diseño del TUSELLO encargado por el Museo de la Ciencia para la ocasión. 

Un servicio que Correos facilita a instituciones, organizaciones y particulares y que consiste en la creación de un sello real con la imagen o motivo que quieran homenajear. Una estampa válida para franqueo, pero que no se comercializa en oficinas, sino que está a disposición del titular que lo encarga.

El Museo de la Ciencia clausura este domingo 4 de febrero la exposición ‘Compañeros de piso. Biodiversidad doméstica’. Producida por el Museo Nacional de Ciencias Naturales (MNCN-CSIC), la muestra descubre al visitante la diversidad biológica, muchas veces insospechada, que habita en las viviendas. Con esta propuesta, se busca dar a conocer los organismos que viven en los hogares y las consecuencias que pueden tener para la salud humana, pero, también, romper mitos sobre estos peculiares inquilinos. 

A través de la reproducción de las diferentes estancias de un hogar, la exposición muestra los inquilinos que las ocupan: desde los invisibles ácaros que se acumulan en los colchones o los pececillos de plata que al amparo de la oscuridad pasean por los baños hasta las polillas que se alimentan de las fibras de la ropa. 

Diferentes paneles explican, además, los ciclos vitales de estos huéspedes, las enfermedades que pueden transmitir o los datos aportados por su presencia. La muestra incluye módulos interactivos creados por el Museo Casa de la Ciencia de Sevilla del Consejo Superior de Investigaciones Científicas (CSIC), además de ejemplares de las colecciones de entomología y reptiles del Museo Nacional de Ciencias Naturales.

La propuesta, que ya ha recibido más de 9.000 visitas desde su apertura el pasado septiembre, puede visitarse hasta el viernes de 10 a 18 horas, el sábado de 10 a 19 y el domingo de 10 a 15 horas. El coste de la entrada es de dos euros. 

El alcalde de Valladolid, Jesús Julio Carnero; la concejala de Educación y Cultura, Irene Carvajal, y el presidente de ACOR, Jesús Posadas, han inaugurado esta mañana la muestra del XXIV Certamen de Pintura ACOR.

La exposición, que podrá verse en la Sala Municipal de Exposiciones de Las Francesas- Fundación Municipal de Cultura hasta el 3 de marzo, reúne las 23 piezas seleccionadas como finalistas de entre las 414 que concurrieron a la convocatoria.

El artista segoviano Alberto David Fernández Hurtado ha resultado ganador de la edición por su obra ‘Recurrencia’. Por su parte, el vallisoletano Diego Carmona ha conseguido una mención especial del jurado por ‘La gran duda’.

Sobre ‘Recurrencia’, pintura con una escena de representación y figuración, el portavoz del jurado y director del Museo de Arte Contemporáneo Patio Herreriano, Javier Hontoria, ha afirmado que “estamos ante un espacio interior con unas supuestas vistas al exterior que plantean una complejidad y un enigma que va a resultar muy interesante para el espectador”, además de reconocer su “gran calidad, tanto en la iconografía que propone, como en la técnica utilizada”.

El autor segoviano, que ha participado en varias ocasiones en este concurso, explicó sobre la pieza ganadora: “Las cosas de alguna forma se repiten como si la vida fuera un ciclo. Es un cuadro muy simbólico. Poder entrar y salir por una puerta o por otra o cómo estar en el limbo antes de que llegue una nueva etapa. El espectador está fuera y le pones ante una duda de por dónde acceder. Es una especie de portal con un espacio limpio y el reflejo del exterior”, añadió.

Una difícil deliberación

“Hemos asistido a una tensa negociación debido a la elevada calidad de las obras, que este año se han presentado trascendiendo los límites de Castilla y León, al ser una edición nacional”, ha asegurado Hontoria. “Nos ha costado mucho elegir un ganador”, confirmó el portavoz de un jurado que completan Damaris Pan y Carlos Delgado.

Por este motivo, el jurado ha querido reconocer también la obra de Diego Carmona. “Estamos ante un paisaje exterior que podría parecer como fácilmente discernible, pero que llama mucho la atención por la trama enigmática que propone”, ha insistido Hontoria sobre la obra de Carmona, a la que ha definido como “de gran complejidad pictórica y audacia técnica”.

Información práctica

La exposición se podrá visitar de forma gratuita en la Sala de Las Francesas de martes a domingo de 12:00 a 14:00 y de 18:30 a 21:30 horas. 

El certamen, organizado por la Sociedad Cooperativa ACOR y abierto a artistas nacidos o residentes en España, cuenta con el apoyo del Ayuntamiento de Valladolid a través de la Fundación Municipal de Cultura y con el respaldo de la Diputación de Valladolid a través de Alimentos de Valladolid ‘A gusto de todos’.

La concejala de Educación y Cultura, Irene Carvajal; el concejal de Tráfico y Movilidad, Alberto Gutiérrez; la directora de Área de Negocio de CaixaBank en Valladolid, Sonsoles Moreno; la delegada de la Fundación “la Caixa” en Castilla y León, Rosana Cano, y la asesora de la exposición, Daniela Hidalgo, han presentado hoy en el Paseo del Campo Grande de Valladolid la exposición 'Nikola Tesla. El genio de la electricidad moderna', muestra itinerante que recorre la vida y la obra del ingeniero serbio, una figura clave en la historia de la ciencia gracias al desarrollo de inventos que marcaron el siglo XX.

Con esta muestra, coproducida en colaboración con el Nikola Tesla Museum y que llega a Valladolid gracias a la colaboración de la Fundación Municipal de Cultura, la Fundación ”la Caixa” reconoce la tarea del genial inventor serbio como responsable de la invención del motor de inducción, el desarrollo de la corriente alterna como fuente de energía y la transmisión inalámbrica de la energía y de la información. 

Esta exposición, que pudo verse primero en formato de sala en el Museo de la Ciencia CosmoCaixa y en diversos CaixaForum, se ha adaptado ahora a un formato itinerante que recorrerá numerosas ciudades de España y Portugal. En Valladolid, la exposición podrá verse hasta el 8 de enero de 2024 en dos unidades móviles que se despliegan y se convierten en dos salas de cien metros cuadrados cada una, gracias a las cuales la Fundación ”la Caixa” puede ahora acercar la figura de Tesla a más públicos.

Los visitantes podrán ver módulos electromecánicos que permiten reproducir el funcionamiento de los aparatos e ingenios ideados por Tesla para entender de manera didáctica y clara algunos de los principios físicos que se esconden tras sus creaciones.

Tesla fue un auténtico pionero en ramas de la ciencia y las tecnologías que ya se encontraban en expansión, pero también en otras que aún tardarían años en ser tomadas en consideración, como la robótica o las comunicaciones interplanetarias. De Tesla, existen documentadas 280 patentes en 26 países diferentes, pero se sospecha que existen otras aún no identificadas.

A pesar de su genialidad y su visión, Tesla no estaba dotado de una gran perspicacia para los negocios y fue plagiado por algunos de sus contemporáneos. Tras décadas de aportaciones relevantes en varios campos científicos, algunas de las cuales terminaron por arruinarlo, murió en soledad y fue prácticamente olvidado durante años, a pesar de que más tarde se convirtió en un icono popular rodeado de algunas teorías conspiratorias inverosímiles.

La exposición, un recorrido por su vida y obra en orden cronológico 
La muestra realiza un recorrido por la vida de Tesla y por los avances tecnológicos que éste impulsó en orden cronológico, comenzando por su nacimiento en 1856, que estuvo rodeado de una aureola de leyenda por haber nacido durante una tormenta eléctrica de verano, lo que algunos interpretaron como un augurio extraordinario.

En la exposición se explica, también, que la curiosidad por los fenómenos eléctricos se despertó en él siendo muy pequeño, cuando la electricidad estática produjo unas chispas ruidosas mientras mimaba a su gato debido al roce de su mano. De joven, empezó los estudios de ingeniería eléctrica en la Escuela Politécnica de Graz y allí ideó nuevos tipos de motor.

Muy pronto, el verano de 1883, cuando ya trabajaba para la Continental Edison Company, filial europea de una de las compañías de Edison, Tesla presentó su primer gran invento, el motor de inducción, que recogía una de sus ideas más obsesivas: construir un motor que funcionase utilizando un campo magnético rotativo como fuerza motriz y no con un conmutador y escobillas, como funcionaban los motores eléctricos de la época.

El motor de inducción magnética de Tesla está basado en el hecho de que, tal y como ya había demostrado Michael Faraday, la electricidad y el magnetismo son las dos caras de una misma moneda, dos manifestaciones de la fuerza electromagnética íntimamente relacionadas: un campo magnético variable induce una corriente eléctrica en el interior de un conductor y, a la vez, una corriente eléctrica genera un campo magnético.

Nikola Tesla no consiguió ayuda financiera para poder desarrollar su revolucionario motor de inducción y, por ese motivo, el ingeniero decidió abandonar Europa en busca de oportunidades. En 1884 se trasladó a Nueva York, donde empezó a trabajar para la Edison Machine Works. En su etapa en esta compañía, Tesla trabajó en la mejora de la red de alumbrado de Nueva York, que por entonces funcionaba con corriente continua y empleaba lámparas de arco voltaico con electrodos de carbón que debían ser sustituidos periódicamente. Su relación con Edison se enturbió cuando este se negó a cumplir sus promesas económicas, motivo por el cual Tesla dimitió y fundó su propia compañía, la Tesla Electric Light & Manufacturing, donde comenzó un periodo de grandes dificultades económicas que le generaron gran inseguridad y una fuerte depresión.

En aquella época, entre 1886 y 1887, Tesla centró toda su atención en desarrollar el potencial de la corriente alterna, que es aquella en la que la intensidad y el voltaje varían en función del tiempo con una determinada frecuencia, a diferencia de la corriente continua, que mantiene su intensidad y voltaje a lo largo del tiempo, como sucede con una batería o una pila.

El magnate George Westinghouse estaba tan interesado en desarrollar las aplicaciones comerciales de la corriente alterna que llegó a adquirir los derechos de uso de siete patentes de Tesla que permitían superar los problemas existentes en la época para transmitir corriente eléctrica de manera eficaz a través de largas distancias. Tesla empezó a trabajar en la Westinghouse Electric & Manufacturing Company en un momento de competencia feroz entre las diferentes compañías norteamericanas.

Edison, alarmado por la tecnología de Tesla, que amenazaba sus intereses en un campo que él mismo había creado, inició una lucha de relaciones públicas que los periódicos denominaron la «guerra de las corrientes». La polémica registró episodios de auténtico juego sucio, pues a instancias de Edison se atizaba el miedo de la sociedad de la época a los accidentes por electrocución provocados por la alta tensión y se exageraba el número de accidentes mortales debidos al empleo de los sistemas creados por Westinghouse.

Dos episodios marcaron el final de la «guerra de las corrientes». Por un lado, la Exposición Universal Colombina de Chicago (1893) concedió a Westinghouse los derechos de producción de la energía eléctrica para el funcionamiento de la maquinaria y el alumbrado del acontecimiento, y se consiguió generar tres veces más energía que la consumida por el resto de la ciudad de Chicago gracias a la instalación de 12 generadores bifásicos de Tesla. La exposición también sirvió para mostrar las mejoras que había realizado sobre las lámparas fosforescentes, precursoras de las actuales luces fluorescentes. Así mismo, bajo la asesoría de Tesla, Westinghouse Electric consiguió el contrato para construir un sistema de generación de corriente alterna de dos fases en las cataratas del Niágara.

Las vivencias y las invenciones de Tesla en Estados Unidos incluyen estudios e inventos producidos en sus laboratorios de Nueva York, donde trabajó en cuestiones tan variadas como los rayos X; la transmisión inalámbrica de energía, inventando el que sería el primer «mando a distancia»; la radiodifusión; o la creación y desarrollo de las bobinas de Tesla, generadores de alta tensión y alta frecuencia que permiten crear campos eléctricos muy potentes a su alrededor, suficientes para lograr que la corriente circule sin necesidad de cableado.

Puesto que las investigaciones de Tesla en sus laboratorios neoyorquinos lo llevaron a desarrollar generadores cada vez más potentes, de millones de voltios, que podían resultar peligrosos en el ámbito urbano, en 1899 estableció su laboratorio en las afueras de Colorado Springs, donde llevó a cabo estudios sobre las propiedades conductoras de la atmósfera terrestre. Su sueño era aprovechar las características físicas de la Tierra para obtener energía en cualquier lugar de forma gratuita. En aquella etapa, Tesla desarrolló su concepto del Sistema Mundial de Transmisión de mensajes, telefonía e imágenes facsímiles, una idea revolucionaria y muy avanzada a su tiempo, embrión de lo que muchos años después acabaría siendo internet.

Después de esta etapa dorada de creación, en 1900 Tesla volvió a Nueva York y se instaló en un hotel con la intención de encontrar inversores para su idea. En marzo del 1901 consiguió 150.000 dólares del magnate John P. Morgan a cambio del 51 % de las patentes generadas y empezó a planificar la instalación de la Torre Wardenclyffe, un transmisor de proporciones gigantescas que se vio superado cuando Marconi, en diciembre de ese mismo año, consiguió imponer su sistema al transmitir con éxito una señal de radio desde Inglaterra hasta Terranova.

Los inversores abandonaron el proyecto de la Torre Wardenclyffe para apoyar a Marconi, que ya había demostrado la viabilidad de su proyecto. Los visitantes conocerán los inventos creados por Tesla con posterioridad a este episodio, que ocasionó su ruina. También relata los problemas económicos y de salud que sufrió durante los últimos años de su vida, cuando se acumulaban sus deudas y empezó a volverse un personaje solitario y excéntrico, hasta su muerte en 1943, a los 86 años, en un hotel de la ciudad de Nueva York.

El concejal de Comercio, Mercados y Consumo, Víctor Martín, y el coleccionista José Luis Rupérez han presentado esta mañana la muestra ‘Picasso. El arte multiplicado’, propuesta comisariada por Carlos Ferrer que reúne 129 obras del pintor malagueño en la Sala Municipal de Exposiciones de La Pasión – Fundación Municipal de Cultura (FMC) y que pone el acento en la capacidad de transformación constante que caracteriza al legado de Pablo Picasso.

La aportación de nuevos lenguajes y la experimentación en las técnicas fueron dos constantes en la vida del artista que, no obstante, mantuvo siempre en un lugar esencial al dibujo. Una incesante metamorfosis que la exposición pone de manifiesto a través de su relación con diferentes técnicas de impresión a las que se acercó ya pasados los 60 años.

A mediados de los años 40, Picasso comienza a trabajar obsesivamente con medios como la litografía para lograr una reproducción masiva, un arte multiplicado. Este compromiso con un ‘arte multiplicado’, traducido en carteles, estampas o ilustraciones para libros, es, precisamente, el hilo conductor de la exposición.

A través de obras de la Colección José Luis Rúperez, la muestra recorre la estrecha y prolífica relación entre Picasso y estas técnicas en nueve apartados: ‘Litógrafo: Picasso y Fernando Mourlot’, ‘Linograbador: Picasso e Hidalgo Arnéra’, ‘El offset litográfico: Picasso, Attilio Rossi y Moneta’, ‘Litógrafo: Picasso y Marcel Salinas’, ‘La mujer’, ‘Los amigos’, ‘Ilustrador de libros’, ‘Compañero de viaje’ y ‘El cubismo’.

El encuentro entre Mourlot y Picasso en 1945 marca el comienzo del interés por el medio litográfico del autor de Guernica. Punto de partida de la muestra, este primer capítulo presenta 14 obras como muestra de una colaboración que duró más de tres décadas.

También relevante en la vida del artista fue su relación con el impresor Hidalgo Arnéra, quien le acompañó durante más de una década en su proceso de innovación en el linograbado. Durante este tiempo, Picasso revolucionó el ancestral método para plasmar sus trazos pictóricos y buscar esquemas de color de extraordinaria brillantez, como ponen de manifiesto las 22 piezas que reúne el segundo apartado de la exposición ‘Linograbador: Picasso e Hidalgo Arnéra’.

En un constante afán de innovación, el maestro malagueño también se entregó a la experimentación con la litografía offset, técnica de impresión derivada de la litografía tradicional, que la muestra presenta con tres carteles.

‘Litógrafo: Picasso y Marcel Salinas’ reúne una selección de litografías creadas a partir de una de las últimas suites impresas del pintor, ‘Retratos imaginarios’, que realizó en 1969 a los 87 años. Salinas, quien ya había trabajado para Magritte o Ernst, entre otros; asumió el encargo de reproducir una serie de 28 litografías, de las que ahora se exponen 14 en Valladolid.

El capítulo dedicado a la mujer como fuente de inspiración constante en la obra de Picasso presenta 16 piezas, entre ellas, la representación litográfica de la pintura La mujer acodada, retrato que realizó en 1921 de su esposa, la bailarina Olga Jojlova.

La siguiente sección, ‘Los amigos’, reúne 17 retratos de otros creadores e intelectuales, reflejo de las prolíficas relaciones que mantuvo con otros destacados nombres de su época. Como el célebre compositor ruso Igor Stravinski, el coreógrafo Léonide Massine, el fundador de los Ballets Rusos Serge Diaghile o el pintor Léon Bakst. Estas relaciones de amistad tienen también su reflejo en el apartado ‘Ilustrador de libros’, donde se presentan 20 de los proyectos editoriales que el malagueño acometió de forma desinteresada para poetas, escritores y editores; entre otros, el poeta Guillaume Apollinaire, Jean Cocteau o el fundador del dadaísmo Tristan Tzara.

Desinteresados fueron, también, los encargos que la exposición reúne bajo el epígrafe ‘Compañero de viaje’. A través de 15 litografías, muestra el compromiso de Picasso con el movimiento por la paz como autor de carteles para la promoción de eventos como el Congreso Mundial de la Paz de 1949 o de ilustraciones para el periódico Le Patriote.

Cierra el recorrido un apartado dedicado al cubismo. Considerado el máximo exponente de este movimiento, basó algunos de sus carteles, como los ocho que reúne este capítulo, en pinturas como Les Demoiselles d’Avignon, una de sus obras más conocidas.

Con esta muestra, que podrá visitarse en la Sala de Exposiciones de La Pasión hasta el 25 de febrero con entrada gratuita, la FMC se incorpora a la celebración de los 50 años de la muerte de Pablo Picasso.

Información práctica

‘Picasso. El arte multiplicado’ permanecerá en la Sala Municipal de Exposiciones de La Pasión hasta el 25 de febrero de 2024.

La muestra puede visitarse, con entrada gratuita, de martes a domingo y festivos de 12:00 a 14:00 y de 18:30 a 21:30 horas (días 24 y 31 de diciembre sólo en horario de mañana y 25 de diciembre y 1 de enero, cerrado).

La FMC organiza visitas comentadas a la exposición, también gratuitas (excepto del 3 al 7 de enero, días en los que no se realizarán los recorridos guiados), de miércoles a domingo a las 20:00 horas.
 

El Museo de la Ciencia de Valladolid-Fundación Municipal de Cultura acogerá hasta el próximo 28 de enero la exposición ‘Homenaje al buzo del Pisuerga’. Un proyecto que muestra el resultado del trabajo colaborativo realizado por Prometeo Escultura, Kirolab y Makers Valladolid. 

El 2 de agosto de 1602, durante el reinado de Felipe III, Jerónimo de Ayanz y Beaumont probaba su nuevo invento en aguas del Pisuerga: un revolucionario traje de buzo que permitía una inmersión bajo el agua por tiempo prolongado. 

De esta forma, los habitantes de Valladolid, entonces capital del Imperio y sede de la corte, pudieron contemplar desde la zona de la playa de las Moreras uno de los grandes hitos de la historia.  

El traje diseñado por Jerónimo de Ayanz llevaba incorporado un novedoso sistema de conductos diferenciados (un tubo para inspirar, otro para espirar), válvulas y fuelles a través de los que se insuflaba el aire, con lo que el inventor se adelantaba varios siglos a un prototipo similar que permitía la inmersión con renovación de aire.

La exposición, ubicada en el vestíbulo del Museo de la Ciencia, de acceso gratuito, incluye la escultura a tamaño real del buzo del Pisuerga y diferentes paneles que explican el proceso de trabajo desarrollado para la creación de misma. 

Así, y partiendo de los documentos del propio Jerónimo de Ayanz, el estudio de Juan Villa (Prometeo Escultura) ha sido el responsable del diseño y digitalizado a escala humana del proyecto, bajo el asesoramiento de la Asociación Amigos del Pisuerga. Por su parte, la empresa Kirolab 3D ha sido la encargada de seccionar la figura en casi 200 fragmentos, preparar los archivos para su impresión en 3D y distribuirlos entre los miembros de la Asociación Makers Valladolid para su fabricación y montaje. 

El resultado es un proyecto colaborativo cuyo objetivo es rendir homenaje a Jerónimo de Ayanz y Beaumont, considerado el Leonardo da Vinci español.

Además, los responsables de la iniciativa han liberado el archivo 3D para que todos los interesados puedan descargarse una réplica de la escultura e imprimirla, con una impresora 3D, al tamaño que elijan (https://www.printables.com/es/model/660830-buzo-del-pisuerga).
 

El Museo de la Ciencia de Valladolid – Fundación Municipal de Cultura ha inaugurado la nueva exposición temporal ‘Robots 2.0 ¿Todo controlado?’. Una muestra que incluye más de medio centenar de objetos, robots y piezas históricas originales para descubrir el avance tecnológico de los últimos siglos. 

El ser humano comenzó a utilizar herramientas con las que dominar el fuego, perfeccionar la caza o cultivar alimentos. Esta continua evolución, motivada por la curiosidad y el afán por conocer mejor el mundo que nos rodea, convirtió estos elementos simples en máquinas cada vez más complejas que sirvieron para construir puentes, túneles o enviar vehículos a Marte.

En la actualidad, estamos ante una nueva gran revolución, robots que trabajan de forma autónoma en las viviendas, que se implantan en el cuerpo de las personas o que forman parte de las cadenas de producción en las fábricas. Pero, ¿está cerca el momento en que los robots puedan sustituirnos? ¿Compartiremos el mundo con máquinas que se parezcan a nosotros hasta el más mínimo detalle? ¿Tenemos todo controlado? 

Esta exposición, producida por el Parque las Ciencias de Andalucía - Granada y el Museo Federal de la Salud y el Trabajo de Alemania – DASA de Dortmund, se plantea éstas y otras cuestiones  a través de tres ámbitos: ‘El nacimiento del robot’, ‘Robots de servicio’ y ‘Robótica industrial’. 

Entre otros elementos singulares, el recorrido incluye una réplica del lavamanos autómata que diseñó Filón de Bizancio en el 250 a. C., la 1ª edición original de 1950 de ‘I Robot’ de Isaac Asimov, el robot quirúrgico Da Vinci —el primero creado en 2000 para operar con precisión de forma rápida y con mínima invasión— o una maqueta a escala 1:2 del rover marciano Opportunity de la NASA.
Además, entre otras experiencias, los visitantes podrán observar el funcionamiento de una instalación robótica industrial que se pondrá en marcha, en momentos puntuales, para mostrar el sistema de soldadura de una cadena de montaje de vehículos; controlar una habitación domótica con dispositivos inteligentes asistidos por comandos de voz; comprobar los movimientos de un modelo animatrónico de velociraptor; o intentar ganar a un robot en el juego de tres en raya.

Una interesante propuesta, cuya información está disponible en castellano e inglés, que hará reflexionar al público sobre las implicaciones éticas de la implantación de la robótica en el ser humano. 
Esta exposición, que contó para su producción con la colaboración de la Fundación Española para la Ciencia y Tecnología (FECYT) – Ministerio de Ciencia e Innovación, permanecerá en la Sala de Exposiciones Temporales del Museo de la Ciencia hasta el 19 de mayo de 2024.

Una propuesta, incluida en el programa de actividades organizado con motivo del 20 aniversario del Museo, cuya entrada para el público general tiene un coste de 4 € y de 2 € para los beneficiarios de la entrada reducida (gratuita para las personas inscritas como ‘Amigos del Museo’).

La Sala Municipal de Exposiciones de Las Francesas – Fundación Municipal de Cultura presenta la muestra ‘Matisse. Arte en equilibrio’, un recorrido que presenta la última etapa del maestro francés a través de más de 60 obras del artista con litografía, linograbado, aguatinta o dibujo y una colección de fotografías de la capilla del Rosario, concebida y decorada por Matisse.

‘Matisse. Arte en equilibrio’, que permanecerá en Valladolid hasta el 10 de diciembre, se centra en la etapa de madurez del artista francés, en un periodo cuyo comienzo coincide con los preámbulos de la Segunda Guerra Mundial y se alarga hasta la muerte del maestro del fauvismo en 1954.

El artista consideró ese periodo una segunda vida. Después de ser sometido a una intervención quirúrgica que le dejó importantes secuelas, en sus últimos años muestra su vibrante energía, pero también enfoca su obra hacia un plano espiritual. Cumple, así, con su concepción del arte como medio que debe imprimir paz en el espíritu del espectador. En el plano estético, además de mantener el empleo atrevido del color y el rechazo a las normas academicistas que lo convierten en uno de los grandes renovadores del lenguaje plástico del siglo XX, se lanza a explorar nuevas vías de expresión para desarrollar su potencial creativo.

Comisariada por Helena Alonso, la muestra presta especial atención a la idea que Matisse sostenía sobre el arte, al que consideraba un mediador para llevar hasta el centro de las ciudades, donde en su opinión se pierde la relación con el mundo circundante, la alegría de vivir, la paz y la conexión con el cosmos. Una idea que esta exposición presenta con piezas como un dibujo acompañado de una transcripción suya del Cántico de las criaturas de san Francisco de Asís.

En esta misma línea, el recorrido dedica una sección a una de las obras más relevantes de su última etapa, la Capilla del Rosario en la localidad francesa de Vence, a la que el artista dedicó cuatro años: desde su participación en el desarrollo arquitectónico hasta la creación de vidrieras, la decoración de las paredes o el diseño de los objetos litúrgicos con una innovadora ligereza. Una colección de instantáneas de la fotógrafa Hèléne Adant presentan la original capilla. “Quiero que los visitantes de mi capilla experimenten un alivio del espíritu. Que, aún sin ser creyentes, se encuentren en un medio en el que el espíritu se eleve, el pensamiento se ilumine, el propio sentimiento se alivie”, manifestó Matisse sobre esta empresa a la que llegó a considerar ‘la culminación de una vida’.

La exposición también pone de manifiesto el gusto de Matisse por la exaltación de los colores, que llega a independizar del dibujo y de la perspectiva, a través de obras como La danza, una de sus litografías más conocidas por sus colores vibrantes y su fuerza expresiva. Otro notable ejemplo en la muestra de la importancia que el artista le daba a la reproducción del color es el de las portadas para la revista Verve, que, en algún caso, requirieron hasta 26 pases por imprenta para garantizar la exactitud cromática.

‘Matisse. Arte en equilibrio’, dedica una importante selección de piezas a la literatura como fuente de inspiración para el artista, quien ilustró la narración epistolar amorosa Lettres portugaises, libros de artista como Repli o los Poemas de Charles d’Orleans, caso en el que adopta el medievalismo; y creó el libro ilustrado Apollinaire, con una de las imágenes más reconocibles del artista, las tres máscaras que representan la amistad entre Rouveyre, Matisse y Apollinaire. Todas estas piezas están presentes en la exposición junto con seis autorretratos y otros seis retratos que hizo de su amigo el poeta y dramaturgo Guillaume Apollinaire.  

Por último, la muestra evidencia la fascinación de Matisse por otras culturas a través de la serie de retratos de los inuit que realizó para ilustrar la obra de su yerno George Duthuit Une fête en Cimmérie, trabajo para el que recurrió a libros de exploradores, fotografías y la excepcional colección de máscaras que Duthuit llevó a Francia en 1947.

Información práctica

‘Matisse. Arte en equilibrio’ permanecerá en la Sala Municipal de Exposiciones de Las Francesas hasta el 10 de diciembre. La muestra puede visitarse, con entrada gratuita, de martes a domingo y festivos de 12:00 a 14:00 y de 18:30 a 21:30 horas. 
 

El Museo de la Ciencia de Valladolid-Fundación Municipal de Cultura pondrá en marcha a partir del próximo jueves, 2 de noviembre, la novena edición del ciclo de charlas ‘A tu salud’. Una iniciativa en la que, como cada año, los mejores expertos acercarán al público diferentes aspectos relacionados con el ámbito sociosanitario. Las conferencias tendrán lugar en el Auditorio del Museo de la Ciencia.

Las encargadas de abrir este ciclo que constará de tres ponencias este mismo jueves serán Carmen Peláez y Teresa Requena, investigadoras del Instituto de Investigación en Ciencias de la Alimentación del Consejo Superior de Investigaciones Científicas (CSIC), quienes impartirán la charla ‘Quien cuida su microbiota intestinal, cuida un tesoro’.

Las dos microbiólogas y especialistas en el estudio de la microbiota intestinal y su modulación por la dieta explicarán que la microbiota intestinal humana es el conjunto de microorganismos que residen de manera permanente en el intestino. Aporta funciones nutritivas, inmunitarias y de resistencia a patógenos en todas las etapas de la vida y participa en la comunicación entre el intestino y otros órganos del cuerpo humano.

Durante el encuentro, las ponentes indicarán cómo “el consumo de bacterias beneficiosas y de dietas ricas en vegetales favorece una mayor diversidad de especies microbianas intestinales que contribuyen a la salud humana”.

Ya el martes 7 de noviembre tendrá lugar la conferencia ‘Código ictus: tiempo es cerebro’, impartida por Jorge Galván Fernández, neurorradiólogo intervencionista en el Hospital Clínico Universitario de Valladolid. La introducción correrá a cargo de Israel Sánchez Lite, jefe de servicio del Hospital Clínico Universitario de Valladolid y profesor asociado de la Universidad de Valladolid. 

Por otra parte, el jueves 16 de noviembre José Luis Trejo, investigador en el Instituto Cajal del CSIC y jefe del grupo ‘Estilo de vida y Cognición’, clausurará el ciclo con la ponencia ‘¿Cuánto ejercicio es bueno para el cerebro?’.

Cabe mencionar que las charlas de los días 2 y 16 de noviembre se enmarcan en la iniciativa ‘Qué sabemos de…’, del CSIC, una actividad cuyo objetivo es construir un entorno de diálogo entre la comunidad científica y la sociedad.